martes, 8 de septiembre de 2020

Jorge Soler, nuevo director del Mubag, Alicante

JOSE F. TAPIA Miércoles, 02 de Septiembre de 2020

MUSEO DE BELLAS ARTES GRAVINA

Jorge Soler, nuevo director del Mubag

Jorge A. Soler nuevo Director del Museo de Bellas Artes Gravina - ALICANTE PRESS

. El Museo de Bellas Artes Gravina inicia una nueva etapa con Jorge A. Soler Díaz al frente de la dirección técnica.
. El nuevo director es profesor asociado adscrito al Área de Prehistoria del Departamento de Prehistoria, Arqueología, Historia Antigua, Filología Griega y Filología Latina la Universidad de Alicante.

La Diputación de Alicante, ha designado al conservador y doctor en Historia, Jorge A. Soler Díaz, como director técnico del Museo de Bellas Artes Gravina (MUBAG), quien ejercerá este cargo a partir de este mes de septiembre.

La vicepresidenta y diputada de Cultura, Julia Parra, ha confirmado el nombramiento “con el que se inicia una nueva etapa en la que esperamos dar un importante impulso a este centro de referencia con la ayuda de un profesional con una gran trayectoria museística que ha demostrado su valía al frente de grandes exposiciones e iniciativas culturales”.

Soler, nacido en Alicante en 1960, es doctor en Historia especialista en Prehistoria reciente, museología y museografía. Desde 1991 es conservador de Prehistoria del Museo Arqueológico Provincial de Alicante (MARQ). En 2003 ocupó la jefatura de la Unidad de Exposiciones y Difusión del MARQ y en 2018 fue nombrado director de Exposiciones de la Fundación Comunidad Valenciana MARQ.

Ha coordinado desde estos puestos de responsabilidad más de un centenar de exposiciones temporales, de carácter local, nacional e internacional.

Ha dirigido además el Departamento de Cultura e Investigación del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert (2004-2007), la Revista Canelobre (1999-2004) y la Revista ‘MARQ. Arqueología y Museos’ (2004-2018). Desde 2015 es profesor asociado adscrito al Área de Prehistoria del Departamento de Prehistoria, Arqueología, Historia Antigua, Filología Griega y Filología Latina la Universidad de Alicante.

En relación con el nuevo puesto, fue corredactor del proyecto ‘Palacio Gravina. Museo. Una idea con un contenido en un espacio (1997)’. Dicha propuesta formó parte de la memoria ‘Galería Gravina. Museo Provincial’ de los arquitectos Rafael Pérez, Elena Albajar y Joaquín Maseres para la adecuación de los edificios de la calle Gravina que hoy constituyen el MUBAG.

Soler ha estado al frente también del montaje de la sala de Moderna y Contemporánea del MARQ (2002), un ámbito de 220 m2 que aporta un recorrido por la sociedad alicantina de los siglos XVI al XX, y del montaje etnográfico del Museo de Castell de Castells.

En un contexto internacional, el conservador ha colaborado en la presentación de los catálogos de las muestras ‘Irán cuna de civilizaciones’ con el Museo Nacional de Irán en 2019; ‘Mayas, el enigma de las civilizaciones’ en 2017, con el Museo Nacional de Guatemala; ‘Vikingos, guerreros del norte, gigantes del mar’, con el Museo Nacional de Dinamarca; ‘Señores del cielo y de la tierra.

China en la dinastía Han’; ‘Ermitage: Tesoros de la arqueología rusa en el MARQ’, en 2011 con el Museo del Ermitage; ó ‘Escitas: tesoros de Tuvà’, en 2008, con el Instituto de Cultura Material de San Petersburgo.

Ha participado en proyectos europeos vinculados al MARQ, como los encuentros desarrollados desde 2009 por la European Exhibition Network.

Soler desarrolla su faceta investigadora como director de alrededor de 40 campañas de excavación arqueológica documentadas con un centenar de artículos de investigación y la coordinación de monografías.

Las dos líneas de actuación, museográfica y de investigación, convergen en las exposiciones en las que ha ejercido como comisario coordinando los correspondientes catálogos.

Tamara de Lempicka una pintora que se anticipó a tu tiempo

Tamara de Lempicka hizo todo lo que hoy nos sigue pareciendo moderno hace casi un siglo

Tiempo de lectura: 10 minutos

Pintora, socialite y una de las mujeres más libres de su tiempo. Se cumplen 40 años de la muerte de Tamara de Lempicka, pero su legado está más vivo que nunca.

Por Eva Güimil

18 de marzo de 2020 · 10:19

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Se llamaba Maria Gurwik-Gorska, pero adoptó el nombre de Tamara por un personaje del poeta Mijaíl Lérmontov; afirmaba haber nacido en el siglo XX, aunque con toda seguridad nació en el XIX y ha pasado a la historia como la mujer que conducía un Bugatti verde cuando su coche era un Renault amarillo. Tamara de Lempicka, mujer arrebatadora, artista global y ante todo, personaje, quería lo que todos: ser más interesante, más joven y más glamourosa y para ello utilizó las estrategias que tenía a su alcance.

A pesar de sus intentos por ocultarlo –incluso convenció a The New York Times que publicó en su obituario que había nacido en 1906–, su vida empezó en 1895, según ha corroborado su biógrafa Laura Claridge, que creyó más en su propia investigación que en las palabras de quien había hecho del autoengaño una forma de vida. Afirmaba haber nacido en Polonia, pero realmente era rusa –Polonia ni siquiera existía como nación cuando ella llegó al mundo, había sido fagocitada por Rusia, Prusia y el Imperio austrohúngaro–. La que tenía origen polaco era su madre, pero ser una rusa exiliada era ser una más de la turba de rusos blancos que huían de la revolución en aquella Europa que se fragmentaba; sin embargo ser hija de una nación que renacía de sus cenizas la dotaba de cierto exotismo.

De su padre apenas hay información. Se sabe que era un judío ruso vinculado a una empresa francesa y que tanto él como su mujer eran suficientemente acaudalados como para que la familia llevase una vida de lujos que podían permitirse muy pocos en el imperio. Tamara recibió una buena educación, pero no tardó en abandonarla para acompañar a su abuela por Europa. Juntas se subieron al fastuoso San Petersburgo-Cannes, un ferrocarril sólo apto para ricos, visitaron las mejores casas de moda de París y recorrieron los museos de Roma, Florencia y Venecia donde se enamoró de los azules del Quattrocento.
Es difícil saber si es realidad o leyenda, pero cuando un retratista acudió a la casa familiar para inmortalizarla, la pequeña Tamara, descontenta con el resultado, cogió los pinceles y ella misma retrató a su hermana. El resultado la satisfizo y comenzó a tomar clases de pintura.

'Le Téléphone', Tamara de Lempicka, 1930

Cuando su madre se casó por segunda vez, abandonó el hogar y se fue con su tía Estefanía a San Petesburgo, allí se rodeo de las figuras más influyentes como el príncipe Yusúpov y tuvo acceso directo a Tsarskoye Selo, la residencia de verano de los Romanov. Durante una de sus suntuosas fiestas y cuando apenas tenía 15 años, conoció a Tadeusz Lempicki, un abogado con fama de playboy y descendiente de una de una familia de terratenientes.

Tamara y Tadeusz se casaron y no tardaron en tener a la pequeña Kizette a la que criaron en medio de una opulencia inédita en un imperio que se estaba desmoronando. Cuando los bolcheviques se alzaron contra Nicolás II, Tadeusz, de quien se sospecha que era un espía del zar, fue detenido en medio de la noche por la policía secreta. Tamara recorrió todas las comisarías para encontrarlo y cuando dio con él tuvo que recurrir al cónsul de Suecia para liberarlo. A cambio del favor tuvo que acostarse con él –desgraciadamente este es de los pocos detalles de su vida que no parece una invención–.
El odio que Tamara albergó toda su vida contra los bolcheviques le impidió abrazar la revolución tan ansiada por los artistas que se habían reunido en París de los años veinte, donde la familia acabó recalando por el trabajo de Tadeusz. En medio de aquel centro neurálgico de la creación artística, decidió centrarse definitivamente en la pintura, más como recurso económico que por un verdadero interés en el arte.
Aunque sentía un gran rechazo hacia los intelectuales de la capital francesa formó parte de su paisaje frecuentaba el cabaré La Boite de Nuit de Suzy Solidor, una de sus modelos y amantes, Le Dôme y La Rotonde y se juntaba con luminarias como Gide y Cocteau. En sus memorias Passion by Design: The Art and Times of Tamara de Lempicka, Kizette cuenta que su madre estaba en la brasería La Coupole cuando Marinetti propuso a gritos quemar el Louvre para sembrar el futuro sobre las cenizas del pasado y que incluso ofreció su pequeño coche para unirse a los exaltados pirómanos. Sin embargo detestaba a los dos grandes totems literarios de aquel París: Gertrude Stein y Ernest Hemingway. "Son personas aburridas, ella quiere ser hombre y él quiere ser mujer”, afirmaba. Sí hizo buenas migas con Natalie Barney, La Amazona, una millonaria americana con un templo de estilo dórico en su jardín, el Templo de la Amistad, en el que se reunían las lesbianas más importantes de París.

En aquel momento París era el centro del mundo, un crisol de artistas europeos que se habían inventado su vida y americanos hastiados que huían de la suya y cada uno tenía su historia. Tamara no quería quedarse atrás, sabía lo que era el esplendor de la rusa zarista y también lo que era verse obligada a ofrecer sexo por libertad, sabía que la vida cambia en un chasquido y quería bienes materiales que la hiciesen sentir segura.

Era atractiva, elegante y de aire aristocrático –y para reforzarlo añadió un "de" a su nombre–, justo el cóctel que mejor podía seducir a los americanos pudientes que habían huido del puritanismo para refugiarse en la capital europea, durante el día en las mansiones que rodeaban el Bois de Boulogne y por las noches en los burdeles de Montparnasse. Tamara se movía por toda la ciudad y se acostaba indistintamente con hombres y mujeres, era sexualmente libre y disfrutaba de las fiestas, el alcohol y la cocaína. Su marido lo toleraba porque sabía que intentar frenar su libertad sexual equivalía perderla y porque él también sabía disfrutar de los encantos de la ciudad, pero le enfermaba que sus amantes fuesen también sus modelos. A pesar de los excesos, Tamara lograba un equilibrio entre el ocio y el negocio: por las noches acostaba a su hija y salía a disfrutar de la ciudad y cuando volvía a casa disciplinadamente pintaba hasta el alba.

El estilo de Lempicka, que combina futurismo, cubismo y el arte de los maestros italianos y españoles, especialmente Durero al que adoraba, seducía a los compradores. Su obra era como ella y como su vida: grandilocuente, glamurosa, colorista, monumental y decadente. A mediados de los veinte ya era una celebridad. Organizaba veladas en casa para enseñar su obra y acudían los más ricos y famosos. Las fiestas eran tan sonadas que al final se hablaba más de su vida social que de su obra, algo que en hombres como Dalí o décadas después Warhol no supuso ningún problema. Ella sin embargo fue menospreciada por ello. No es novedoso: el entorno del surrealismo era profundamente machista, los hombres eran creadores y las mujeres musas y cuando las musas creaban, ellos se apropiaban de sus obras o las reducían a un pie de página de la historia del arte.
Su popularidad pronto se tradujo en éxito financiero. Como contó su hija: "Después de cada dos cuadros vendidos se compraba un brazalete, hasta que estuvo cubierta de diamantes y joyas desde las muñecas hasta los hombros". Sus retratos no tardaron en lucir en las paredes de las casas de los aristócratas y los pedidos aumentaron tanto que pintaba 12 horas diarias. Sin embargo, la crítica la ignoraba. Por supuesto también hay quien cuestionó la moralidad de unas obras en las que los desnudos y el homoerotismo tenían un sitio primordial.

No obstante, uno de sus encargos más populares vino de una revista de moda alemana, Die Dame: 'Autorretrato en un Bugatti verde' en el que aparece con guantes y bufanda a juego en una especie de homenaje a Isadora Duncan. No fue la única portada que hizo, pero es la que más ha trascendido por su mensaje feminista, porque en los años veinte una mujer que conducía un coche sola enviaba un mensaje poderoso.
Tadeusz y Tamara tenían objetivos distintos y se separarón a finales de los años veinte. Él no había superado su traumático paso por prisión y se había vuelto osco y agresivo. Tamara no tardó en encontrar el amor en uno de sus principales coleccionistas, el barón Kuffner. Se casaron en Suiza en 1933 y de alguna manera cerró un círculo, ya era la aristócrata que siempre había ansiado ser. Consolidada ya como una de las estrellas del novdeoso Art Decó vivió una década de esplendor creativo, emocional y social. Pero de nuevo la guerra se interpuso en su camino: los nazis avanzaban por Europa y la hermosa y libérrima París ya no era un lugar seguro y mucho menos para una mujer de origen judio. El matrimonio se refugió en Estados Unidos y ella cambió los salones de París por las mansiones de Hollywood donde se rodeó de estrellas como Dolores del Río y Tyrone Power.

Pero en Hollywood interesaba más su condición de baronesa que de artista: la sociedad americana estaba obsesionada con la nobleza y su producción artística fue decayendo. Abandonó su estilo para centrarse en la pintura abstracta, pero sus cuadros ya no despertaban interés. En 1962 expuso por última vez.
Cuando el barón falleció viajó a Houston para reunirse con Kizette, su marido y sus dos nietas. 10 años después se mudó a Cuernavaca en México y tras la muerte del marido de Kizette, fue esta la que acudió al encuentro de su madre, que ya estaba gravemente enferma. Falleció 18 de marzo de 1980 y siguiendo sus deseos, su hija arrojó sus cenizas sobre el volcán Popocatépetl.
Una década después de su muerte se convirtió en la artista favorita de lso famosos, su estética está presente en el Vogue de Madonna y en Express Yourself, la cantante se conviritió en una de sus principales coleccionistas al igual que Jack Nicholson y Barbra Streinsand. Su estética ha influido en la publicidad y en la moda: creadores como Ralph Lauren, Carolina Herrera o Versace la homenajearon en sus colecciones. Ella misma era una fanática de la moda, íntima amiga de Coco Chanel e inspiración de Dior que le pidió permiso para copiar un sombrero que ella misma había diseñado. La estética era imprescindible para ella porque ella era su mejor creación.

Sin embargo la crítica sigue menospreciándola, El prestigioso crítico de arte del Sunday Times Waldemar Januszczak dijo de ella: “Yo había asumido que era una amanerada y superficial propagadora de banalidades Art Déco, pero estaba equivocado. Lempicka era algo mucho peor. Era una exitosa impulsadora de la decadencia estética, una corruptora melodramática del gran estilo, una comerciante de valores vacíos, un payaso degenerado y una artista esencialmente carente de valor, cuyos cuadros, para gran vergüenza nuestra, hemos logrado convertir en obras absurdamente costosas". Demasiada bilis para una de las artistas más influyentes, carismáticas y reconocibles de la historia.
Afortunadamente ella tenía un alto concepto de sí misma. "Fui la primera mujer en pintar limpiamente y esa fue la base de mi éxito" dijo orgullosa a su hija "de 100 imágenes, la mía siempre se destacará. Y por eso las galerías comenzaron a colgar mi trabajo en sus mejores habitaciones, siempre en el medio, porque mi pintura era atractiva. Era precisa, estaba 'terminada'". Confiaba ciegamente en sí misma y la opinión de los demás nunca le importó demasiado porque como ella mismo dijo "Vivo la vida al margen de la sociedad, y las reglas de la sociedad normal no se aplican a quienes viven al margen".

................El día que Tamara de Lempicka conoció a Alfonso XIII

El Palacio Gaviria inaugura una amplia retrospectiva sobre la artista polaca y contextualiza sus cerca de 80 obras expuestas con diverso mobiliario, objetos decorativos y piezas Art Decó. Además, presenta un retrato inédito del Alfonso XIII que le hizo cuando este vivía en el exilio.

Por fin lo ha encontrado. Gioia Mori ha descubierto el Retrato de Alfonso XIII (1934) que Tamara de Lempicka pintó durante el exilio del monarca Borbón. Es una figura inacabada cuyos ojos miran al infinito, pero el bigote ligeramente abocetado basta para identificarle. La artista lo dejó inconcluso, a pesar de que el rey posó en varias ocasiones para ella en Salsomaggiore (Italia).
«¡Nunca había pintado a un modelo más charlatán!», escribió entonces la propia Lempicka a uno de sus amigos en una misiva manuscrita. Más tarde, el 1 de marzo de 1941 –justo un día después de la muerte de Alfonso XIII– hablaba en los periódicos de su relación con el monarca español. Ambos coincidieron en la ciudad italiana, famosa por sus spas y balnearios; ella había sufrido una crisis y acudió a Salsomaggiore para buscar alivio en los tratamientos termales.
Esta historia que vincula a la artista con nuestro monarca podía ser perfectamente verosímil, pues se codeó con aristócratas como el barón Kuffner –su segundo esposo– o el príncipe Eristoff (a quien también retrató). Sin embargo, la habilidad de este personaje glamuroso y amante de la fiesta para imaginar mitos y leyendas a su alrededor fue tan grande, que la estudiosa de su obra dudaba de que fuese realmente verdad. La desaparición de la dichosa tablita con la efigie del rey tampoco ayudaba.

Siete décadas después el retrato finalmente ha aparecido en una colección particular parisina, concretamente en la de Jean Claude Dewolf. Por eso Gioia Mori se siente satisfecha de haberlo encontrado y haber podido corroborar así la versión de la pintora. Dicha obra será, sin duda, uno de los mayores atractivos de la muestra que desde mañana puede verse en el Palacio Gaviria.
Tamara de Lempicka. La reina del Art Decó recala ahora en Madrid, tras su paso por Milán, París, Turín y Verona; una retrospectiva que consta de 183 piezas, cerca de 80 autógrafas, con las que se quiere poner en valor la producción de la reina indiscutible del arte decorativo, a quien la comisaria ha dedicado más de una década de estudio.
“Entre cientos de pinturas, reconocerías las mías”, afirmaba la propia artista. Quizá tuviese razón. En sus retratos de sofisticadas mujeres de la alta burguesía parisina de los años 20 aúna como ningún otro autor la grandiosidad casi escultórica de la pintura del Quattrocento con un cubismo algo tímido. Sus personajes, llenos de sex appeal y glamour, parecen no caber en el lienzo.

Ella misma confesó que “su objetivo no era copiar, sino crear un estilo nuevo, con colores luminosos y brillantes”. Así fue como creó decenas de retratos de formas rotundas, motivos geométricos y tonos llamativos. Sin embargo, y aunque su idea no fuese copiar, lo cierto es que no puede evitar el influjo de maestros clásicos como Botticelli o Bernini, como se puede apreciar en una de las salas de la muestra titulada con acierto «El manual de Historia del Arte». No en vano, descubrió su vocación en Italia, durante un viaje que hizo en 1911 con su abuela. Esa admiración por los clásicos, combinado con su interés por todo aquello que tiene relación con la modernidad: fotografía, cine o moda, son los rasgos que mejor el arte de Lempicka; precisamente los mismos que encarnan también el espíritu del Art Decó.

Un par de detalles biográficos bastan para hacerse una idea de cómo fue la vida de Tamara. Nacida en el seno de una familia polaca acaudalada, se casó a los 18 años con un abogado que pronto fue encarcelado por los bolcheviques. Huyó de la Revolución Rusa y de la Guerra Mundial; vivió en Varsovia, París, Nueva York y México; triunfó como pintora de la aristocracia en Europa hasta que tuvo que huir de los nazis, entonces volvió a buscar el éxito en Estados Unidos. Fue bisexual, tuvo dos maridos y, a su muerte, pidió que sus cenizas se echasen al volcán Popocatépetl.
Pero el icono en el que se ha convertido no debería eclipsar su calidad como pintora. Porque si su nombre perdura como figura esencial del Art Decó es gracias a su esfuerzo –trabajaba entre 16 y 18 horas diarias– y a su capacidad para empezar de cero cada vez que emigraba a un nuevo país. La reina del exceso y el lujo podrá visitarse en el Palacio Gaviria hasta el 24 de febrero de 2019. Sol G. Moreno

jueves, 3 de septiembre de 2020

Exposición Salón de Otoño. Asociación de Artistas Alicantinos, 3 de setiembre 2020

Palmeral con su cuadro de moais de la isla de Pascua (Chile), 03-09-2020

Video de la inauguración. Loles Guadioala presindenta

domingo, 16 de agosto de 2020

La hermanas de la isla de Pascua: Ana y Nani, óleos de Ramón Palmeral. En pintura uno ha de ser, primero famoso y después pintar.

La hermanas matua de la isla de Pascua

Ana

Nani

Tres pintura tres estios de Ramón Palmera, en 20 años de diferencia. Siempre pienso que lo puedo hacer mejor.

La novela de....... de Ramón Fernández Palmeral es "algo nuevo, extraordinario, hermoso, simple, pero con un intrincado diseño lirico y poético en la isla de Pascua y España."

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LINK

LOS MARES DEL SUR (PREMIO PLANETA 1979)

MANUEL VAZQUEZ MONTALBAN

7 0 opiniones

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Resumen

En la Barcelona de 1979, en vísperas de las elecciones municipales, el detective privado Pepe Carvalho tiene que investigar las causas de un misterioso crimen. Un importante hombre de negocios llamado Stuart Pedrell aparece muerto a navajazos en un barrio extremo de la ciudad cuando desde hacía un año todo el mundo le suponía haciendo un viaje por la Polinesia. Carvalho averigua lo que hizo en el curso de este año, empieza a conocer la peculiar personalidad de la víctima -sus aficiones intelectuales y su obsesión por seguir los pasos de Paul Gauguin (Tahiti) e irse a los mares del Sur, que en la novela es un insistente símbolo de plenitud vital soñada e irrealizable- y va desenredando un complicado embrollo que tiene como fondo un sentimiento de fustración general.
Desde la alta sociedad al inframundo de los suburbios, la novela traza un intenso cuadro de personajes y ambientes que refleja los conflictos personales y colectivos de la España de entonces.

Información extra

lunes, 10 de agosto de 2020

Vendo litografia de Roberto Ruiz Morante, por 150 €. Plaza Gabriel Miró, 1987

Contacto con el vendedor: ramon.palmeral@gmail.com

Roberto Ruiz Morante

Pintor y dibujante nacido en Sax, Alicante, en 1941.
Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Alicante. Fue compañero y amigo de Gastón Castelló, con quien viajó por España, Alemania y Holanda.
Participó en 40 exposiciones colectivas, 16 individuales y 2 en el extranjero.
A los quince años, consiguió su Primer Premio en un concurso de pintura de carácter provincial. Después vendría el Premio y la Medalla de Oro de la Ciudad de Villajoyosa.
Cultivó una pintura centrada en paisajes, marinas y bodegones. Ha ejecutado murales de grandes dimensiones, para centros oficiales de Alicante, como la Delegación de Hacienda, y diversas instalaciones de la ONCE.
En 1997, expuso en el Colegio Oficial de Médicos de Alicante.
Sus retratos de los alcaldes de Alicante, figuran en la antesala del Salón Azul del Ayuntamiento.
Falleció, en 2006, después de una larga enfermedad.
Teníaa el estudio en calle Capitán Boacio.

Muere Roberto Ruiz Morante, el pintor más costumbrista de Alicante

El artista que cultivó paisajes y marinas en sus óleos y acuarelas falleció la noche del jueves tras una larga enfermedad, y hoy se oficiará el funeral, a las 11 horas

TIRSO MARÍN SESSÉ. BALSEYRO Sábado, 23 septiembre 2006, 03:43

EN TABARCA. Imagen de Ruiz Morante, en la Casa Gobernador de la isla, donde expuso en el 2000. / L.V./

A la edad de 65 años, y tras una larga enfermedad, ha muerto en el Hospital General uno de los últimos pintores costumbristas de Alicante, Roberto Ruiz Morante. Las acuarelas que durante décadas plasmaron los paisajes, marinas y barrios alicantinos acompañarán al pintor en su último viaje. Esta mañana, a las 11 horas, tendrá lugar el funeral en el tanatorio la Siempreviva del Vial de los Cipreses.

Enamorado de Tabarca, donde realizó alguna de sus últimas exposiciones, junto con el Casino Mediterráneo de Villajoyosa, Ruiz Morante nació en Sax el 5 de enero de 1941, pero residía toda su vida en Alicante, donde estudio pintura en la antigua Academia Sindical de Bellas Artes de la calle Gerona, que a la sazón dirigía José Perezgil, y allí tuvo oportunidad de encauzar los pasos de una afición que le venía desde niño. A la edad de 15 años obtuvo un primer premio en un certamen de carácter provincial y poco después consiguió Medalla de Oro de la ciudad de Villajoyosa. Pero Ruiz Morante no se conformó con esto y busco dar mayor expansión a su pintura. De la mano de Gastón Castelló -que junto con Manolo Baeza fue uno de los pintores que más influyeron en él-, recorrió Francia, Alemania y otros países del centro de Europa.

Pero donde más se entretuvo fue en París, y allí, a finales de los años cincuenta, vivió una temporada en la que practicó, con la influencia de Picasso, la pintura abstracta, faceta que no todos conocen. A partir de entonces, emprendió una carrera en solitario que fue brillantísima. Hace una veintena de años expuso, con gran éxito de público y crítica, en una sala de Madrid, donde vendió mucha producción, pero su apego y amor por la terreta le absorbía de tal modo que no le dejó volver a la Villa y Corte y siguió trabajando con éxito en su ciudad.

El verdadero fuerte de Roberto Ruiz Morante eran el óleo y después la acuarela, predominando la línea figurativista. Pintó interiores, paisajes, marinas y cultivó con éxito el retrato, una prueba de lo cual se encuentra en el Salón Azul del Ayuntamiento de Alicante, donde firma varios retratos de la galería de alcaldes alicantinos. Su obra costumbrista, lo mismo en óleo que en acuarela, está en las principales colecciones de particulares y entidades. Los más bellos rincones alicantinos los ha plasmado Ruiz Morante en sus cuadros.

De grato recuerdo son el Mercado Central, la plaza de Gabriel Miró, la Santa Faz, plaza de los Luceros, las fuentes de Alicante, sus calles típicas, el Barrio. Precisamente en allí tuvo Ruiz Morante una sala de arte, Joviku, y posteriormente otra en la Villa Vieja, llamada Saloc, así como un estudio de pintura en Juan de Herrera, que tuvo que cerrar afectado de una larga enfermedad que le duró unos cinco años, agravada últimamente hasta que el pasado jueves, a las nueve de la noche, dejó de existir en el Hospital General de Alicante, rodeado de su familia y sus íntimos, su esposa Reme y sus cuatro hijos. María del Mar, la chica, sigue los pasos de su padre y ya ha conseguido brillar en algunas exposiciones.

Con la muerte de Roberto Ruiz Morante se ha marchado para siempre uno de los principales pintores costumbristas, de un arte muy exquisito, que deja huella en la historia de la pintura de Alicante.

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miércoles, 5 de agosto de 2020

Abstracción Palmeriana. "sin titulo" técnica mixta, de 40 x 40 cm. Vendido

La Galería Marlborough fue fundada en Madrid en 1992 bajo la dirección de Pierre Levai, quien se unió a la firma en 1964 y fue nombrado Presidente de Marlborough New York desde 1978. La famosa exposición inaugural de la galería mostró los últimos diez años de trabajo de Francis Bacon. Esta fue la última exposición individual organizada durante la vida del artista. En 2006, la Galería Marlborough abrió un segundo espacio en Barcelona, donde continúa su legado en el arte contemporáneo y representación de los artistas más famosos y destacados de todo el país.

Como galería independiente, la Galería Marlborough colabora continuamente con Marlborough Nueva York y Londres para presentar el trabajo de artistas internacionales y emergentes en España. Además de destacar en el mercado primario, la Galería Marlborough apuesta por la adquisición y venta de obras maestras del siglo XX. Continúa trabajando con las colecciones de museos y espacios públicos más importantes de España mediante la organización de proyectos y exposiciones individuales y colectivas de sus artistas. Entre estas exposiciones, destacan: Antonio López García en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1993) y el Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid (2011); Manolo Valdés en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2006); Juan Genovés en el Instituto Valencià d’Art Modern (IVAM; 1993) y el Museo Patio Herreriano de Valladolid (2018). A finales de 2019, la Galería Marlborough organizará una exposición retrospectiva del trabajo de Juan Genovés en Rusia, en el Museo de Arte Contemporáneo de Moscú. Por otra parte, la Galería Marlborough ha organizado exposiciones individuales de varios artistas de renombre internacional, tales como: la retrospectiva de Paula Rego en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2007); Richard Estes: La sensualidad de lo real en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (2007); y la Corte del Rey Arturo de Magdalena Abakanowicz, organizada por el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en el Parque del Retiro de Madrid (2008).

La Galería Marlborough se ha ganado una gran reputación por su dedicación a proyectos públicos y exposiciones de escultura monumental en las ciudades más importantes de España. En 1994, la galería organizó la exposición Botero en Madrid, mostrando 20 de las famosas figuras en bronce monumentales a lo largo del Paseo de la Castellana. En 2006, la galería organizó Arte en la calle, Manolo Valdés: escultura monumental, una exposición itinerante de la obra del artista que, a lo largo de 3 años, viajó a 20 ciudades españolas. Más recientemente, en 2015, la Galería Marlborough organizó Citadel, una exposición de escultura monumental de David Rodríguez-Caballero que se exhibe dentro de la muralla y jardines de la Ciudadela, fortificación renacentista de Pamplona.
La Galería Marlborough representa el trabajo de más de 20 artistas y obras de arte que han formado parte de su identidad desde sus inicios. Entre ellos, se encuentran el mítico artista Antonio López-García, los pintores Juan Genovés y Luis Gordillo, así como los escultores David Rodríguez Caballero y Francisco Leiro.

martes, 4 de agosto de 2020

Desnudo femenino. "Nani Matua en la isla de Pascua" estilo postgauguin, un óleo de 60 x 90 cm de Palmeral verano del año 2020

El autor y su obra

Desnudo de mujer no pornográfico, óleo de 60 X 90 cm, pintura

Ramón Palmeral, además de pintor es escritor, novelistas, autor de la novela "La princesa Anuaiti-Matua", de venta en Amazon, tanto ebook como impresa de 278 páginas.

domingo, 2 de agosto de 2020

"Adios a tus problamas" por Ramón Palmeral, el El Monárquico.

Adiós a tus problemas

Archivado en: Opinión

Ramón Palmeral | domingo, 2 de agosto de 2020, 11:00

(Sanguina. "El pensador" por Ramón Palmera, año 2000)

«Los problemas son la sal de la vida», ya lo he dicho en otras ocasiones, esta sal se refiere a una gracia como cualidad sabrosa, ante esos momentos de adversidad en el que hacemos una montaña de un grano de arena. Lo que hemos de tener claro es que un sentimiento es la reacción a un pensamiento. Porque sentimos lo que pensamos. Ante este hallazgo hemos de procurar pensar «sano», es decir, positivo y con provecho. Porque al ser pesimista, algunas personas lo son por naturaleza, lo pasan mal...

Leer completo en la revista El Monarquico de Madrid.