Página de pintura y artes. Artista plástico alicantino de vanguardia.Pintor nacido en Piedrabuena. Arte en Alicante. Arte Contemporáneo. Interiorismo, decoración.Videoartista. Fotógrafo. Venta de obras de este autor. Página de interés para diseñadores y coleccionistas. Mas que pintor me considero investigador plástico Contacto: ramon.palmeral@gmail.com. La mayor satisfacción que tengo al pintar es que después de muerto alguien mirará mis cuadros.
LA EXPOSICIÓN INTERNACIONAL “THE HARMONY OF VISION” o “LA ARMONÍA DE LA VISIÓN” LLEGA A HONG KONG
¡El circuito internacional de arte figurativo alcanza su segunda gran etapa!
El
próximo jueves 3 de septiembre de 2026 se inaugurará la exposición
colectiva e internacional “The Harmony of Vision” en la prestigiosa
Illuminati Fine Art Gallery de Hong Kong. Esta ambiciosa muestra
representa la segunda de las tres grandes citas que dan forma a este
proyecto global, organizado por D. José Enrique González, director de la
Galería Artelibre, en estrecha colaboración con la entidad CHiZhi. Tras
la extraordinaria experiencia y el éxito cosechados en su primera
parada en el Museo de Arte de Hsinchu en Taiwán, la iniciativa llega
ahora a tierras hongkonesas adquiriendo una dimensión y una repercusión
internacional verdaderamente especiales.
El
proyecto, que nació en 2018 impulsando las primeras exposiciones
internacionales en un formato unificado de 20 x 20 cm, ha ido creciendo y
desarrollando propuestas cada vez más ambiciosas. Esta exposición se
consolida, sin duda, como una de las mayores muestras realizadas por la
Galería Artelibre dentro de este particular formato. Desde la
organización señalan que el evento ya está recibiendo numerosas
felicitaciones internacionales, tanto por la impecable calidad de las
obras presentadas como por la cuidada selección de los creadores y la
gestión logística de un circuito de esta envergadura.
Este
proyecto cultural mantiene el firme objetivo de tender puentes entre
diferentes culturas y sensibilidades a través del lenguaje universal del
arte. El circuito internacional de arte figurativo recorrerá Taiwán,
China y España durante todo el segundo semestre de 2026, convirtiéndose
en un escaparate global del talento realista contemporáneo. El evento se
presenta como un gran acontecimiento artístico gracias al talento,
dedicación y extraordinaria calidad de las obras de los ciento
veinticuatro artistas internacionales seleccionados para formar parte de
esta iniciativa.
Entre
los creadores elegidos para esta destacada cita en Hong Kong se
encuentra el reconocido pintor Jesús Lozano Saorin, conocido
artísticamente por Saorin, quien asiste a la muestra con su obra
titulada “Lo que el polvo deja ver”. Se trata de una delicada pintura a
la acuarela que se ciñe estrictamente al formato común establecido para
todo el proyecto: unas dimensiones unificadas de 20 x 20 cm.
La
dirección de la Galería Artelibre ha querido aprovechar este hito para
transmitir su más sincero agradecimiento a todos los artistas
participantes, destacando que un proyecto de esta magnitud solo es
posible gracias a su confianza, colaboración e ilusión. Para la
organización, es un verdadero honor contar con estas obras y compartir
este camino de promoción y difusión del arte figurativo y realista a
nivel internacional. Tras su paso por la Illuminati Fine Art Gallery de
Hong Kong, la muestra continuará su itinerancia hacia sus próximas sedes
en España, completando así este gran intercambio cultural a lo largo
del año.
¡Una cita imprescindible con el realismo contemporáneo!
WASSILY KANDINSKY O EL ARTE COMO NECESIDAD INTERIOR
El
“impulso creador” fue para Kandinsky (16-12-1866,
Moscú – 13-12-1944, París) el motor
de la búsqueda infatigable que le condujo a vivir por y para regenerar el arte.
Avant-garde de la abstracción, este artista
y teórico, difundió sus ideas a través de su pintura y de sus escritos. Persiguió un arte
nuevo, curativo y espiritual. Un arte no-objetivo que, asentado en la
psicología perceptiva y la teoría de los colores, confirmarse la relación
interna entre las impresiones cromáticas y los estados de ánimo del espectador. ¿Para que copiar la realidad? El surrealismo tampoco es real pero es pintura.
Wassily Kandisnky
La
trayectoria de Kandinsky está marcada por tres países: Rusia, Alemania y
Francia. Entre 1896 y 1914 vivió en Alemania, en Munich y en Murnau. A lo largo
de este periodo su pintura, de gran expresividad cromática, va caracterizándose
por la disolución de las formas en un camino sin retorno hacia la abstracción. Durante
esta etapa publicó De lo espiritual en el arte (1912) y, entre 1911 y 1914, formó el grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) que se disolvió al
estallar la Primera Guerra Mundial. Tanto desde la teoría como desde la
práctica, Kandinsky pretendía un arte que no efectuase una mera transcripción
de la realidad, sino una pintura que proyectase la necesidad interior del
artista.
Entre 1914 y 1921 se estableció en Moscú donde llevó a cabo una importante labor como miembro del Comisariado Popular de Educación. Durante estos años su paleta cambió volviéndose
brillante como consecuencia del contacto con las artes populares y sus
composiciones, de figuras flotantes en espacios infinitos, mostraban
ecos de las tendencias suprematistas y constructivistas que
caracterizaban la vanguardia del momento. Kandinsky abandonó Rusia
cuando la situación artística se recrudeció al imponerse como estética dominante el Realismo Socialista.
Composición VI (Óleo sobre lienzo, 195 x 300 cm, 1913)
De vuelta en Alemania y por mediación de Walter Gropiusse
convirtió en uno de los más importantes colaboradores de la Bauhaus (1921-1933).
Allí desarrolló una importante actividad pedagógica junto a
Lyonel Feininger, Johannes Itten, Oskar Schlemmer y Paul Klee, entre otros
reputados nombres. Durante este
periodo publicó otra obra teórica de referencia, Punto y línea sobre el
plano (1926). En
estos años su pintura se contagió de la tendencia geométrica y racional que
caracterizaba la estética de esta escuela de arte y arquitectura. Se marchó de Alemania en 1933, tras
la subida al poder de Hitler y el cierre de la Bauhaus.
Finalizado este
episodio y después de ser incluido en la lista nazi de “artistas degenerados” Kandisnky huyó a París y se instaló en las afueras, en
Neuilly-sur-Seine, donde vivió hasta su
muerte en el año 1944. Sus últimos trabajos son coloristas y vitales
pese a su exilio y al desarrollo de la Segunda Guerra Mundial. París y su luz suavizaron
su paleta y su pintura abstracta se
pobló de formas orgánicas de reminiscencias mironianas.
En gris (Óleo sobre lienzo, 129 x 176 cm, 1919)
Kandinsky defendió una nueva interpretación del
arte basada en el libre manejo de colores y formas, así
como en un distanciamiento paulatino del objeto real. Tras la lectura deAbstraktion und Einfühlung
(1908), de Wilhelm Worringer, persiguió incansablemente desligarse de la
realidad objetiva en aras de la abstracción y reafirmó su idea de que en el
arte no es necesario ningún
motivo figurativo. Sólo importa el efecto psíquico de las formas y de los
colores en quien contempla la obra.
“El
arte es en muchos aspectos similar a la religión”
afirmó Kandinsky quien, durante un tiempo, se dedicó al estudio de las ciencias
ocultas y la teosofía, interesándose por los escritos de Rudolf Steiner, Helena
Petrovna Blavatsky (fundadora de la Sociedad Teosófica) y Annie Besant y C. W.
Leadbeater, autores del clásico libro teosófico Formas de pensamiento. Lo espiritual podía manifestarse mediante
formas y colores abstractos que provocan vibraciones del alma. Estaba
convencido de que existía una correspondencia interna entre la obra de arte y
el espectador:
“El
color es en general un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma.
El color es la tecla. El ojo es el martillo templador. El alma es un piano con
muchas cuerdas. El artista es la mano que, mediante una tecla determinada, hace
vibrar el alma humana”.
Composición VIII (Óleo sobre lienzo, 140 x 201 cm, 1923)
En su evolución artística fue clave el
descubrimiento de los Almiares de Monet, que pudo ver en Moscú durante
una exposición de impresionismo francés en la capital rusa. También le
influyeron movimientos como el Simbolismo y el Jugendstil que le mostraron la posibilidad de utilizar los
elementos pictóricos de manera libre y lírica.
Lo cierto es que Kandinsky no llegó a la abstracción a través del arte,
sino de la figura de Schönberg, padre de la música dodecafónica.
Tras uno de sus conciertos inició una intensa correspondencia con él en la que
abordaron las conexiones entre música y pintura, entre sonidos y colores. A partir de la conocida como “sinestesia de
las artes” Kandinsky consolidó los cimientos intelectuales y pictóricos de
la abstracción. Para ello fue definitoria también su asistencia en el Teatro
Imperial de Moscú a la ópera Lohengrin,
de Richard Wagner. A partir de ese momento, el artista tradujo los sonidos en
colores y líneas y, desde el año 1909, dividió y tituló algunos de sus cuadros en
tres grupos: impresiones, improvisaciones y composiciones. Una terminología
claramente musical.
Soy un pintor en constante evolución creativa afincado en Alicante desde el año 1990. Aunque nacido en Piedrabuena (Ciudad Real) en 1947, ha desarrollado una gran parte de su trayectoria artística e intelectual en la provincia alicantina, convirtiéndose en una figura muy activa de su panorama cultural, donde ha realizado múltiples exposiciones tanto individual como colectiva y ha dado conferencia sobre artes y artistas alicantinos como Emilio Varela, Gastón Castelló, Fernando Soria.
Trayectoria Artística y Formación:
Su formación artística comenzó en la Escuela de Artes y Oficios de Málaga, ciudad donde residió durante su juventud. Como pintor, destaca por su versatilidad, abarcando desde el expresionismo hasta la abstracción, con un uso rotundo del color y la textura. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, y su obra está presente en diversas instituciones y colecciones privadas. Tras pasar por varias etapas como Seres Geométricos Inteligentes (abstracción geométrica), Paroxismo de masas, e Intelectulismo (figuración compleja), ha regresado de la figuración moderna de “Mujeres del futuro”, donde se haya actualmente.
Su último catálogo es una "Antología de retratos (2000-2024) un libro de artista donde ha seleccionado los retratos más destacados, estilo que no ha abandonado por lo encargos que recibe:https://palmeral2.blogspot.com/2024/08/catalogo-antologia-de-retratos-de.html
Artes, movimientos y sensaciones:
Cree que el Arte permanece vivo y en constante evolución, y tanto los pintores y artistas han de usar todos los medios actuales a su alcance como lA como una más de las herramientas de la que dispone como Photoshops, para poder pintar mundo nuevos, porque hemos de ser testigos de nuestro tiempo como en pasa do lo fueron Goya, Velázquez, Zuloaga… La obra ha de ser original y única, como medio de colección.
Vínculo con Alicante
En Alicante forma parte activa de su tejido cultural de esta ciudad. Es miembro de la Asociación de Artistas Alicantinos (AAA) como su galería de arte, es socio de honor de la asociación Espejo de Alicante y reciente Medalla de Oro por sus méritos artísticos. Fundó y coordinó el Grupo de Vanguardia Cinco, además de colaborar frecuentemente con el Archivo Histórico Provincial de Alicante, en el MACA y MUBAG. Tiene obras en diferentes instituciones. Forma parte de Diccionario de Pintores Alicantinos.
Publicaciones y pre4senica en Redes Sociales
Ha publicado en revistas como "Meer/Internacional", "Hoja del lunes", y actualmente en el "Diario Digital Nueva Tribuna" de Madrid sobre crítica de arte en Alicante. Tiene una en Wkipedia: ttps://es.wikipedia.org/wiki/Ram%C3%B3n_Fern%C3%A1ndez_Palmeral
Página de pintor cuya dirección es https://palmeral2.blogspot.com/
Tiene una página en Facebook e Instagram de gran valor en inmediatez en las redes sociales: https://www.instagram.com/palmeralpintor/
En junio de 2026 se cumplían los 75 años del fallecimiento del jurista alicantino Rafael Altamira y Crevea, y ha sido la ocasión para pintar tres retratos al óleo.
Primero de lo retratos
Ramón Palmeral, autor del cuadro de Homenaje a Rafael Altamira, 2026
Segundo cuadro: "Rafael Altamira con libro" efecto 3D, 2026
Título: "ALTAMIRA EN MÉXICO" 2026
Ramón PALMERA es autor del retrato al óleo de "Altamira en México" 2026
Dibujo a lápiz de Rafael Altamira por Palmeral
Sello de Correos nacional Serie A de Rafael Altamira
El paralelismo entre el arte de la pintura y la física del movimiento sobre dos ruedas define la esencia misma de la creación: la estabilidad no es un punto estático, sino una consecuencia directa del avance. Para el pintor alicantino Ramón Palmeral (1947- ), la praxis artística equivale a ese pedaleo continuo. Detener la experimentación significa el estancamiento, mientras que la investigación constante de nuevas corrientes mantiene viva la tensión plástica.
Esta inercia creadora ha llevado a Palmeral a transitar por múltiples facetas del arte figurativo, huyendo de moldes rígidos y reinventando el lenguaje del lienzo. Su indagación más reciente culmina en la serie "Mujeres del futuro", un proyecto enmarcado en el figurativismo moderno dentro de la rama del retrato, donde explora la intersección entre la condición humana, la tecnología y el devenir social.
Obras destacadas de la serie:
La extraterrestre (2004): Una aproximación a la alteridad y a lo desconocido, rompiendo los cánones tradicionales de la fisonomía académica para adentrarse en la estética del enigma.
( La Extraterrestre)
(La Arquitecta alicantina)
La ginoide (2024): Exploración visual sobre la frontera entre la figura humana, la inteligencia artificial y la robotización, planteando dilemas sobre la identidad en la era digital.
(Ramón Palmeral con su obra La Ginoide)
La mujer metálica (2025): Lienzo donde las texturas industriales y las tonalidades cobrizas simbolizan la fortaleza, la maleabilidad y la resistencia de la mujer frente a los entornos tecnológicos.
(Julia Hidalgo con "La mujer metálica"
La mujer del parche (2026): Pieza que combina la iconografía de la resiliencia y el misterio, utilizando el elemento del parche como símbolo de historia vivida y mirada introspectiva.
Alegoría del Teatro Principal (2026): Integración del lenguaje futurista con el patrimonio cultural de Alicante, conectando la tradición dramática con la vanguardia figurativa contemporánea.
(Alegoría del Teatro Principal)
Con esta serie, Ramón Palmeral demuestra que la renovación estética y la inquietud conceptual son el único camino para mantener el equilibrio en el lienzo, reconfigurando el retrato moderno sin perder la fuerza expresiva de la figura.
Se grabaron videos para You Tube.
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Qué es un curador de arte y a qué se dedica:
¿Sabías que la figura del curador de arte tiene
un gran peso dentro del panorama cultural? Se trata de profesionales
muy valiosos para el buen funcionamiento de los museos, galerías, coleccionistas y artistas.
La
forma en la que están dispuestas las obras de un museo o una exposición
no es fruto de la casualidad (aunque pueda parecer lo contrario). Todo
responde a un orden armónico perfectamente meditado. Es por ello que la curaduría artística resulta tan necesaria para museos y galerías de arte.
Vamos
a profundizar en la figura del curador o curadora de arte, qué es y en
la importancia de sus funciones y aptitudes. ¡No dejes de leer nuestro post!
Curador de arte: ¿qué es?
El curador es el profesional encargado de adquirir, seleccionar, presentar e interpretar las obras artísticas que
serán expuestas en museos o galerías de arte. Este concepto, tal y como
hoy lo entendemos, lleva aplicándose desde el siglo XX.
La curaduría de arte implica investigar en detalle cada uno de los bienes culturales que
integran una exposición. Por tanto, estos especialistas se encargan de
estudiar su origen, calidad, autenticidad y relevancia histórica.
En última instancia, los curadores de arte son los encargados de elegir qué se expone y dónde se coloca. De
hecho, es gracias a su labor que esa suma de piezas individuales cobra
un propósito y llega a conectar en un todo. Resulta fácil deducir, por
lo tanto, que este trabajo está íntimamente ligado con la percepción del
visitante.
¿Comisario, conservador o curador de arte?
No
podríamos comprender adecuadamente la figura del curador de arte sin
diferenciarla de dos perfiles afines: el comisario y el conservador. Sin
embargo, estos tres términos son empleados como análogos en
Latinoamérica y pueden llegar a coincidir en instituciones culturales de reducido tamaño.
El conservador de arte es quien responde de la adecuada conservación de la muestra expositiva (por ejemplo, mediante reparaciones).
El comisario de artees
el que, por ser un especialista en las obras expuestas (por ejemplo,
cuadros), se encarga de dirigir una exposición temporal o permanente.
Qué cualidades debe tener un curador de arte
Para
ser curador es recomendable cursar una carrera relacionada con el mundo
artístico (como Historia del arte, Literatura o Filosofía). Asimismo,
resulta aconsejable estudiar un curso de especialización universitaria
para reforzar al máximo la competitividad de este perfil profesional.
Creatividad (recordemos
que deben armar una historia con los objetos expuestos). Los curadores
deben desarrollar sus tareas de forma lo suficientemente innovadora como
para hacer que cada exposición resulte en una experiencia única. ¡Solo
así serán capaces de cautivar al público!
Interés por el arte. Los
curadores necesitan estudiar los bienes culturales de forma
particularmente minuciosa. Como es natural, ello presupone un profundo
amor hacia las bellas artes.
Liderazgo e iniciativa. La
curaduría de arte consiste en una continua toma de decisiones, por lo
que es imprescindible contar con un criterio propio para desenvolverse
de forma ágil y eficaz.
Habilidades comunicativas (especialmente
de comunicación escrita) y buen desenvolvimiento en el manejo de
herramientas informáticas. Tales aptitudes le permitirán crear
publicaciones y presentaciones digitales destinadas a acompañar a la
exposición.
Profundos conocimientos de la historia del arte (tanto
a nivel teórico como práctico). Esto es así hasta el punto de que el
curador debe ser capaz de detectar no solo la autenticidad de las obras
sino también la técnica y los materiales empleados por el artista para
crearlas.
Siempre es recomendable que el curador de arte sea capaz de desenvolverse con fluidez en varios idiomas entre ellos el inglés como Paco Barragán.
Funciones del curador de arte
Disponer las obras expuestas de tal forma que cuenten una historia.
Para ello, debe seleccionar el criterio que se seguirá para organizarlas (por lugar, por tiempo, por importancia, etc.).
Recomendar la adquisición de nuevas obras.
Para
que formen parte de la colección permanente de la entidad cultural
donde serán expuestas. Para ello, deberá seguir las políticas del museo o
galería y su propia experiencia profesional.
Decidir sobre qué obras deben ser eliminadas de una colección.
Los
procedimientos para llevar a cabo esta tarea varían de una entidad
cultural a otra (por ejemplo, hacer una recomendación al comité
administrativo del museo).
Asesorar en las decisiones finales.
Las
relativas a la adquisición o eliminación de bienes culturales. Esto es
así, aunque dichas acciones no estén relacionadas con la colección o
departamento que gestiona ese curador de arte.
Velar por la preservación de los bienes culturales.
Esta
función se extiende a las obras artísticas prestadas a otras
instituciones. Debe supervisar el préstamo y asesorar a los
conservadores sobre las medidas a tomar.
Investigar y documentar las colecciones a su cargo.
De este modo, brinda una sólida garantía de que todas las obras han sido registradas de manera adecuada y veraz.
En
definitiva, la carrera de curador de arte es desafiante y prometedora.
En el Instituto de Gestión Cultural y Artística contamos con propuestas formativas directamente relacionadas con la labor del curador de arte, como el Curso Dirección, Conservación y Gestión de Museos (300 horas), el Curso Museología: Teoría y Práctica (50 horas) o el Curso Diseño y Gestión de Exposiciones
(50 horas), aunque te recomendamos visitar la página de inicio de esta
web para conocer las convocatorias abiertas en estos momentos. Todas
responden al modelo de IGECA, formación flexible, 100% Online.
Probablemente te refieres a Andrés Mérida, un conocido artista plástico y pintor nacido en Algeciras en 1964 pero afincado en Málaga desde 1970, ya que no existe un pintor consagrado llamado "Andrés Maestre". Su estilo se identifica por fuertes influencias expresionistas y surrealistas. Hijo del empresario de Almacenes Mérida de Málaga pudo estudiar Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla.
Trayectoria y Estilo
Nació en Cádiz, pero desarrolló su vida personal y artística en Málaga.
Estudió Bellas Artes en Sevilla.
Sus figuras humanas son muy alargadas y estilizadas.
Utiliza temas andaluces como el flamenco, los toreros, los caballos y los verdiales.
Mezcla el arte digital moderno con técnicas tradicionales sobre el lienzo.
Ha expuesto en países como Estados Unidos, México y Portugal. Puedes ver parte de sus creaciones digitales en Andrés Mérida o seguir su contenido en Instagram.
(Galería Mariam Cremades, Calle Alcalde Luis Lassaleta 17, Babel. Alicante)
Comentario y buena Odisea
En una ciudad como Alicante, donde el talento artístico desborda talleres, estudios y salas de exposiciones, pero donde el coleccionismo sigue siendo una asignatura pendiente, abrir una galería de arte es mucho más que un proyecto empresarial: es una auténtica declaración de principios.
Eso es precisamente lo que representa Mariam Cremades, una mujer y artista de enorme valentía, decisión y carácter, que ha apostado por crear un espacio dedicado al arte contemporáneo en un entorno poco habitual para este tipo de iniciativas. Su estudio y galería, ubicada en la calle Alcalde José Luis Lassaletta, 17, en el polígono de Babel, nace con la firme voluntad de acercar el arte al público y ofrecer nuevas oportunidades a los creadores.
Emprender una aventura de estas características requiere mucho más que ilusión. Hace falta perseverancia, capacidad de trabajo y una confianza inquebrantable en el valor de la cultura. Mariam Cremades reúne todas esas cualidades y muchas más: ilusión y perseverancia. Ha decidido remar a contracorriente en una ciudad como Alicante donde abundan los artistas de gran nivel, pero donde todavía escasean los coleccionistas que sostienen el mercado artístico. Las instituciones luchan constantemente para atraer al caballo de Troya, sin que lograr que la juventud se interese por el ARTE.
Sin embargo, los grandes proyectos siempre comienzan con personas que se atreven a dar el primer paso. Estoy convencido de que esta galería tiene un futuro prometedor. Porque cuando el talento se une a la pasión y a unas ganas inmensas de triunfar, el camino puede ser difícil, pero resulta imparable. Contra la ilusión, el trabajo constante y la determinación, nadie puede.
Si todavía no la conocéis, merece la pena acercarse a descubrir este nuevo espacio artístico: Mariam Cremades - Estudio y Galería de Arte.
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