martes, 23 de mayo de 2017

Blanca Ávarez gana el premio de pintura rápida de Piedrabuena.


Ayuntamiento de Piedrabuena







La pintora malagueña Blanca Álvarez ha ganado hoy el premio nacional de pintura rápida 'Ermita de San Bartolomé' que se celebra en Piedrabuena (Ciudad Real) y que está considerado como uno de los mejores certámenes de estas características de Castilla-La Mancha.

Blanca Álvarez ha logrado el reconocimiento unánime del jurado con una acuarela en la que ha representado uno de los lugares más característicos de la ermita de San Bartolomé, el entorno de la alberca.

La malagueña, que se ha alzado como la mejor entre el medio centenar de concursantes, ha recibido un premio en metálico de 600 euros y un grabado realizado por el reconocido pintor Pedro Castrortega.
En declaraciones a Efe, ha indicado que en su cuadro ha querido dejar constancia de las "maravillosas luces de las que se pueden disfrutar en el entorno de la ermita de San Bartolomé y, en concreto, de las que se reflejan a primera hora de la mañana en la alberca" que recoge las aguas naturales que vienen de las sierras próximas.








La malagueña cuenta con números premios que avalan su trayectoria artística, entre ellos los primeros premios en los certámenes de pintura de Moclinejo (Málaga) en 2013, La Carolina (Jaén) en 2012 y Círculo de Bellas Artes de Málaga en 2011.
El segundo premio del certamen de pintura rápida, dotado con un premio de 400 euros y, también, un grabado de Castrortega, ha recaído en el madrileño Pedro del Hierro, mientras que el premio para la primera de las adquisiciones patrocinadas por entidades privadas ha sido para un cuadro pintado por el toledano Diego López González.
En el certamen juvenil, el primer y segundo premio ha sido para los hermanos Juan y Teresa Díaz Tendero-Carrasco, respectivamente, y el tercero ha sido para José Javier Jiménez.
El premio nacional de pintura rápida 'Ermita de San Bartolomé', que está organizado por la Cofradía de San Bartolomé, ha llegado este año a su décima cuarta edición.


















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viernes, 19 de mayo de 2017

"Última frontera 1 y 2, obra de Palmeral 2017, homenaje a Basquiat










Agencia EFE
El País
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Ultuma frontera.
Informacion
Levante EMV

Lo difíciel es poner un caudro en el me4rcado del arta. Que salga del taller al mercado.
Primera gran lección: Galleria Pisacane.


... Y luego existe la óptica reeducada del espectador, el valor monetario del arte y la búsqueda del impacto. Así las galerías de alto nivel no solo aseguran sus beneficios futuros sino que potencian de manera clara el ascenso o descenso de la producción artística. Por ello muchos pintores seducidos por el arte comercial abandonan el péndulo creativo. No hablamos de gustos sino de algo mucho más inmediato: la propia descripción de la obra. Ésta normalmente acompañada de algún comentario de corte escenificado que deja entrever la excentricidad del autor. ¡Bravo! Ante eso tuve que sobreponerme rápido. La formula incluía la asunción rápida de sus valores y el silencio contemplativo de los míos. Rodeada por obras de Picasso, Dalí, Goya y Miró valía la pena. 


Roberto Ungaro
Propietario de Pisacane Arte
.
La española entra en el archivo de la galería y tiene la suerte de conocer en ese mismo instante al dueño. Al Señor Roberto Ungaro que muy gentilmente extiende su mano derecha. Al cual entrego uno de mis dibujos instantes después, quedando maravillada por esta gran primera lección. El pintor trabaja y su medio es el taller. En cambio, el galerista comercia y analiza las posibilidades en el mercado. En esa franja que los separa existe un mar ilimitado de incomprensión. El uno no entiende al otro, aunque se relacionan en esferas separadas. Pues bien, justamente ahí estaba yo.

jueves, 18 de mayo de 2017

Un Basquiat que se parece a un Saura, pero en colores. Lo compra Yusaku Maezawa por 99 millones de euros

Basquiat bate con 99 millones de euros el récord en subasta para un artista americano

El empresario japonés Yusaku Maezawa adquiere en Sotheby´s la obra del grafitero neoyorquino fallecido con 28 años








El lienzo sin título del artista Jean-Michel Basquiat
El lienzo sin título del artista Jean-Michel Basquiat EFE

La inquietante cabeza negra de Jean-Michel Basquiat puso el broche entre vítores a la semana de subastas de arte contemporáneo en Nueva York, al pagarse 110,5 millones de dólares (cerca de 99 millones de euros) por su lienzo sin título en Sotheby´s. Es un precio récord para un artista de origen americano, que de esta manera entra en el exclusivo club que integran Andy Warhol, Barnett Newman, Jasper Johns, Francis Bacon, Roy Lichtenstein, Jackson Pollock, Willem de Kooning y Pablo Picasso.
Basquiat nació en el barrio neoyorquino de Brooklyn, de padre haitiano y de madre portorriqueña. No llegó a cumplir los 28 años de edad cuando falleció por sobredosis en NoHo, en el distrito de Manhattan. (Las muertes tragicas de los pintores atraen a los coleccionista).
  La puja duró 10 minutos, algo poco habitual. Al precio al que se adjudicó duplica prácticamente los 57,2 millones en los que se subastó hace un año en Christie´s el anterior récord del artista.
El precio de salida de la canina sobre fondo azul de SAMO, como se daba a conocer cuando grafiteaba por los muros de Nueva York, se fijó en los 57 millones, muy cerca del anterior récord de Basquiat. La puja fue cosa de dos. Uno de los potenciales compradores estaba en la sala, que se quedó en los 97 millones. El que daba la batalla por teléfono puso un millón más, cifra a la que hay que sumar gastos y comisiones.

Ver más obras de este artista




El coleccionista japonés Yusaku Maezawa
El coleccionista japonés Yusaku Maezawa EFE

Sotheby´s informó después de que el nuevo dueño es el coleccionista y empresario japonés Yusaku Maezawa, fundador de la compañía de comercio electrónico Start Today y del portal ZOZOTOWN. La intención del magnate es que el lienzo se exponga en el museo que quiere crear en su ciudad natal, Chiba. Maezawa, de 41 años de edad, tiene una fortuna estimada en 3.500 millones de dólares.
Maezawa repite con Basquiat. Fue el que compró también el pasado año su otra obra sin título. El coleccionista tiene intención de prestarla a museos de todo el mundo para que el público pueda experimentar la “emoción” y la “gratitud” que siente por el arte. “Espero que genere tanta alegría a los demás como a mí”, añade. El empresario japonés espera, además, que esta obra maestra “inspire a generaciones futuras”.

Tres décadas después

El cuadro sin título de Basquiat, fechado en 1982, es una gran obra. La creó con 21 años, en el momento más importante de su carrera como artista. “Todo lo que tocaba era fantástico”, señalaron los responsables de Sotheby´s durante la presentación del lienzo antes de la subasta. La obra es de gran formato, de 1,83 metros de alto por 1,73 de ancho. El anterior comprador pagó 19.000 dólares en una subasta en 1984.
Desde entonces no volvió a verse en público. Los expertos aseguran que se trata de uno de los tres mejores cuadros de Basquiat, convertido ahora en “una gran obra maestra”, como se escuchó decir en la sala al cantarse el adjudicado. Esta semana se subastaron al menos 14 trabajos del artista en Sotheby´s y Christie´s. Sus creaciones resonaron durante las protestas en EE UU contra la brutalidad policial.
Pablo Picasso sigue conservando el récord para la obra de arte más cara vendida en una subasta, con 179,4 millones de dólares. Solo hay 10 obras que se han subastado hasta la fecha por más de 100 millones de dólares. La Basquiat es la sexta más cara que se adjudica tras una puja en público.

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 Biografia artistica de Basquiat

Pero fue a partir de 1980, siendo aún un vagabundo, cuando comenzó a dedicarse principalmente a la pintura. J.M. Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, por los trazos gestuales de Franz Kline, por los primeros trabajos de Jackson Pollock, por las pinturas con figuras de De Kooning y por las caligrafías de Cy Twombly, todo lo cual, junto a sus raíces haitianas y portorriqueñas, le llevó a tener un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Interesado también por las combine paintings de Robert Rauschenberg y por el Art Brut, de Jean Dubuffet, así como por la cultura popular, sus graffitis adquirieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana, hasta el punto de que, unos años más tarde, Jeffrey Deitch definió su trabajo como una “chocante combinación del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino”.
Desde pequeño había recibido una apreciable educación artística informal; su madre lo llevó a visitar museos (fue miembro júnior del Museo de Brooklyn a los seis años), también lo inició en la lectura de literatura poética, y más tarde lo impulsó a escribir la propia. El nombre de su grupo se convirtió en un capítulo más del mito cuando Basquiat afirmó que estaba inspirado en el autor de un libro sobre anatomía que había acompañado su convalecencia tras ser atropellado, a los seis años, por un automóvil. El propio Basquiat repetiría varias veces que ese libro fue un referente precoz de su trabajo. Completó su formación autodidacta como oyente en la Escuela de Artes Visuales, donde entró en contacto con el pintor y autor de graffiti Keith Haring.
  El 10 de febrero de 1985 Basquiat aparece en la portada de la revista dominical The New York Times, convirtiéndose en el primer artista plástico negro que aparece en la primera plana. Cosa curiosa, pues en esa época el estereotipo racista blanco consideraba a los negros buenos deportistas, buenos bailarines o buenos músicos, pero no en campos como las artes plásticas. El artículo que acompaña la foto, redactado por Cathleen McGuigan, se intitula “New art, new money: The marketing of American artist” ("Nuevo arte, nuevo dinero: El marketing de un artista norteamericano").

Nosotros los artistas y pintores.



Pienso que nosotros los pintores-artistas,  además de tener una vida laboral, también tenemos una vida espiritual. Y sin darnos cuenta ayudamos a otros a encontrar sus caminos, porque el arte más que un ejercicio es nuestra misión.

Helena Sainz: Stone River. Expone en el MUSEO BURGH HOUSE DE LONDRES

 
Helena en la Asociación de Artistas Alicantinos

 

Helena Sainz: Stone River

La Tundra Revista 05/09/2014 En vivo Comentarios desactivados

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Tras vivir más de 30 años en Lisburne Road, Helena Sainz Moreno, regresa a su querido barrio de Hampstead, esta vez con una inédita exposición de grabados titulada Stone River. La artista, escritora y filósofa de origen bilbaíno vuelve a la capital inglesa, donde trabajó como profesora de español para extranjeros en el Instituto de España, institución que desde 1992 se conoce con el nombre de Instituto Cervantes. Sin embargo, a pesar de haber dibujado, respirado, recorrido interminablemente sus calles favoritas y, en fin, vivido durante tres décadas en esta excéntrica metrópoli que llamamos Londres, Helena esta vez sólo está de visita, ya que desde el 2010 decidió regresar a su tierra natal y asentarse en la costeña ciudad de Alicante, lugar donde es conocida por todos como “la Artista”.

Escribe: Cristina Lago

Inicialmente compuesta de 22 grabados en tinta negra sobre papel acuarela, tanto Helena como Natalia Corbí, también pintora y organizadora de la exposición, decidieron que una selección de doce de ellos sería más oportuna pues más que abrumar al público con paredes repletas de imágenes, prefirieron que la muestra resultara amena e interesante. “Queremos que la gente pueda ver el blanco de la pared entre cuadro y cuadro para poder pensar y reflexionar acerca de lo que observan en los grabados”, dijo Natalia. Para albergar la exposición eligieron Burgh House, una deslumbrante casona construida en el siglo XVIII durante el reinado de Ana de Gran Bretaña, ubicada en pleno corazón de Hampstead, y donde Helena ya ha exhibido su obra con anterioridad en tres ocasiones.
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Algunas de las ilustraciones de Helena Sainz Moreno
El tema de la exposición no hubiera podido ser otro que el tiempo, una obsesión que ha perseguido y sigue persiguiendo a la filósofa desde su infancia. “Desde pequeña he estado fascinada por el tiempo” confiesa Helena en uno de sus poemas. “’¿Qué es el tiempo?’, le pregunté a una profesora. No me contestó pero pasados unos días se me acercó con un regalo. ¡Era un reloj! ‘Esto es el tiempo’, me explicó”. Relojes con numeración romana, arábiga, interrogaciones, labios sensuales, astrolabios, ojos picassianos, ciudades, bigotes, pueblos… En cada uno de estos grabados podemos apreciar las influencias artísticas de Helena: las resonancias de Paul Klee, los ecos de Lorca, las sombras de Frida Kahlo… Además de humor, mucho humor que como sueños de lo imposible, nos muestran lo que el tiempo es o pareciera ser. A mitad de camino entre futurismo y cubismo nos encontramos sumergidos en la frenética lucha por aquello que nunca podremos manipular pero que, invariablemente, determina y domina nuestras vidas: cronos, el tiempo. En el elocuente poema que ha escrito con motivo de la exposición, Helena nos dice que “el tiempo es este poder: aunque lo controlemos mucho, es él el que nos controla”. Para aquellos de vosotros que hayáis leído Momo, la entrañable novela de Michael Ende, seguro que enseguida os vendrán a la mente los Hombres Grises que en vano intentan engañar a la gente para “ahorrar” e “invertir” tiempo, cuando en realidad, sólo lo están robando.
Intencionalmente sin título, los grabados desbordan interpretaciones que se presentan como un libro abierto a cada uno de los visitantes de la exposición. Sin hermenéutica que constriña nuestra experiencia, la ausencia de notas explicativas nos ofrece un abanico de infinitas posibilidades en el que deleitar nuestra imaginación.
El nombre de la exposición, Stone River, sugiere la eterna contradicción de la vida misma, donde todo fluye pero (al mismo tiempo) las cosas poco cambian. La lucha entre el constante movimiento heracliteano y la inmutabilidad del ser parmenídeo. El “panta rei” frente a la permanencia del Ser. Aunque, a fin de cuentas, la teoría poco importa pues el tiempo se cierne constantemente sobre nosotros como la espada de Damocles y nunca sabremos cuándo sufriremos su estocada final. “En mi piso”, dice Helena en su poema, “tengo 14 relojes y cinco gatos y 21 sombreros; cinco de ellos marcan la hora inglesa y su excéntrica melodía, cuatro de ellos la hora española y su melodía surrealista… y el resto de ellos no marcan ninguna hora en absoluto; simplemente marcan un mudo silencio que habla sobre El Fin de los Tiempos”.
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Natalia Corbí, organizadora de la exposición
La colección de grabados fue creada en Londres entre los años 2000 y 2005. Natalia Corbi, organizadora de la muestra explicó el  por qué no ha sido hasta el año 2014 que estos pequeños espejos mágicos no han visto la luz: “Helena lleva una vida ajetreada en la que, precisamente, el tiempo no sobra. Su actividad artística es constante, no deja de pintar ni en sueños y allí a donde vaya siempre lleva pluma y papel, ya sea para hacer un esbozo o para escribir un poema o ilustrar uno de los numerosos libros de relatos de su hermano gemelo, el escritor Javier Sainz Moreno”.
Y para concluir, terminaré con la invitación personal de Helena, que calurosamente nos anima a ver su obra hasta este fin de semana en uno de los últimos versos de su poema:
“Te invito a mi exposición llamada THE STONE RIVER (El Río de Piedra), sobre relojes y tiempo. Por favor presta atención al horario de apertura, con esto me refiero de 18:30 a 20:30, hora inglesa. La hora española es probablemente eterna, un mañana repetitivo”.
Helena Sainz: The Stone River
Hasta el 7 de septiembre en Burgh House
| Helena Sainz Moreno |

Tomado de la página Stone River

lunes, 15 de mayo de 2017

Don Quijote, Azorin gran estudioso del Quijote

Don Quijote de la Mancha, plumilla con tinta china de PALMERAL, mayo de 2017

"Con Cervantes" de Azorín, gran estudioso del Quijote, autor de La Ruta de don Quijote


"Cincuentenario de la muerte de Azorín", libro de Ramón Fernández Palmeral, 2017.
De venta en Amazon.

Estoy preparando oro dibujo de Sancho Pancha