viernes, 27 de noviembre de 2015

Mujer minera. Transvanguardia alicantina. Obra de Palmeral. Óleo sobre cartón.

Obra de trnasvanguardia alicantina. Obra de Ramón Palmeral. 2015. Óleo sobre cartón.
Minicuadro.
Una neuva realidad. Coleccionistas despertar.

Jarrón con flores minimalistas. Transvanguardia. Obra de Palmeral

Jarrón con flores minimalistas.  Óleo sobre lienzo. 50 x 60 cm. de Palmeral . 500€

Transvanguardia. Mujer minera. De Palmeral. No estoy en la Galería Kreisler

Óleo sobre cartón.

Bosque submarino. Trasvanguardia o parosismo de masas. De Palmeral. No estoy en la Galería Kreisler


Dos obras de Palmeral. Transvanguardia. Óleos sobre cartón.

Escribió Leo Steinberg nacido en Moscú en 1920 y se formó en Artes en Londres y Nueva York.

                      TEXTO
 El arte contemporáneo y la incomodidad del público
Traducción: Silvina Cucchi y Maximiliano Papandrea:
Cuando una obra nueva, aparentemente incomprensible, entra en escena, hay siempre un crítico perspicaz que la saluda como una “nueva realidad”, o un coleccionista que ve en ella la oportunidad de una inversión. Permítanme hablar en cambio de aquellos que no la comprenden.
Enfrentados a una obra de arte nueva, es posible que se sientan excluidos de algo de lo que se creían parte y experimenten una sensación de frustración o privación. Fue, otra vez, un pintor quien lo expresó con más claridad. Cuando en 1908 Georges Braque vio por primera vez Las señoritas de Avignon, dijo: “Es como si tuviéramos que cambiar nuestra dieta habitual por una de estopa y parafina”. Lo importante aquí es “nuestra dieta habitual”. No tendría ningún sentido decirle a alguien: “Si no te gusta la pintura moderna, ¿para qué preocuparte? Olvídala”. Para muchos, un giro incomprensible en el arte, una novedad que realmente desconcierta o perturba, es un cambio drástico, o mejor, una especie de reducción drástica en la ración diaria de la que han pasado a depender, como sucede durante una marcha forzada, o en prisión. Y mientras haya gente que reacciona así frente al arte, no tiene demasiado sentido insistir en que también existe cierta clase de snobs que simulan otro tipo de reacción para ocultar su indiferencia real.
Sé que son muchos los que experimentan una preocupación genuina frente a los cambios que parecen afectar el valor del arte y, por lo tanto, lo que llamo “la incomodidad del público” adquiere cierta dignidad. Hay un sentimiento de pérdida, de exilio repentino, de algo que se nos niega a sabiendas; la sensación, a veces, de que la cultura o la experiencia que hemos acumulado se devalúa sin remedio, librándonos a un estado de desposesión espiritual, una experiencia que puede golpear al artista con más dureza que al amateur. Esta sensación de pérdida o confusión se describe muy a menudo como un simple fracaso en la apreciación estética o una incapacidad para percibir los valores positivos de una experiencia novedosa. Suponemos que, tarde o temprano, quienes han pasado por esa experiencia –si tienen la capacidad– comprenderán o se acostumbrarán. Pero no hay dignidad ni contenido positivo en su resistencia frente a lo nuevo.
LEO STEINBER Fue profesor en las universidades de Nueva York y Pensilvania, y Meyer Schapiro Chair en la Universidad de Columbia. Entre sus libros publicados se destacan Other Criteria. Confrontations with Twentieth-Century Art (Oxford University Press, 1972), de donde se ha extraído este ensayo (reproducido con autorización expresa del autor); Michelangelo's Last Paintings (Oxford University Press, 1975); The Sexuality of Christ in Renaissance Art and in Modern Oblivion (University of Chicago Press, 1983); Encounters with Rauschenberg (University of Chicago Press, 1999) y Leonardo's Incessant Last Supper (Zone, 2001).

domingo, 22 de noviembre de 2015

Palmeral en la tertulia de los jueves, sobre el pintor veneciano Bellini







 Hijo de Japoco Bellini, hermano de Gentile Bellini, cuñado de Andrea Mantegna y maestro de Giorgione y de Tiziano, GIOVANNI BELLINI estaba predestinado a ser un buen pintor, pero fue algo más que eso, pues se despegó de la saga familiar y revoluciono la pintura veneciana del cuatrocentto adoptando el óleo como aglutinante, e introduciendo la perspectiva aérea y el paisaje en sus obras y alejando las reminiscencias bizantinas presentes en las obras de su padre y de su hermano,  sin bien en sus primeras obras se dejó influenciar por su cuñado Mantegna, y luego, en su madurez, por sus discípulos  Giorgione y Tiziano, que ciertamente le salieron aventajados pues emularon al maestro  y le superaron en todo, como es notorio en la historia de la pintura.
 Si además tuvo una vida longeva, pues según Vasari (al que no hay que darle mucho crédito, pues le gustaba fabular) vivió hasta los noventa años y gozó de fama y dinero, hasta ser el pintor de todos los Dux  que presidieron la Republica Veneciana mientras vivió,   podemos deducir que fue un triunfador en todos los sentidos, hasta el punto de entusiasmar con su pintura al sultán de Constantinopla, Mehmet I,  quien le requirió para que trabajara para él; sin embargo le dieron gato por liebre, pues él no quiso salir de Venecia y en su lugar su hermano Gentile, le suplantó ante el sultán.
  Como todos los pintores de su tiempo, comenzó trabajando para la Iglesia en retablos y capillas, luego como retratista para los comerciantes burgueses, alternando con escenas campestres y mitológicas, y siempre retratando a los Dux de la Serenísima.
  De todo eso se habló largo y sentados, en la TERTULIA DE LO JUEVES  de hoy en nuestro CENTRO DE ARTE, en la que ha intervenido los “tres tenores”, y PALMERAL con sus pinceladas historicistas y ELENA SAINZ, como experta  metafísica  del sentido del Arte. Y por supuesto y como es habitual, los apostilladores que suelen poner ciertos puntos a las “ies”, que enriquecen las tertulias con el  fuego cruzado de sus apostillas.

 Para el jueves 26 de noviembre, se acordó hablar de la vida  y obra  de PIERRE BONNARD, pintor, ilustrador y litógrafo francés.
Carlos Bermejo
Comentarista de la AAA
Alicante, 19 de noviembre de 2015

sábado, 21 de noviembre de 2015

Inmaculada Company expone en el Ateneo de Alicante.

Inmaculada con Palmeral, en el Ateneo de Alicante




   Inmaculada Company expone en el Ateneo Científico, Literario y Artístico de Alicante, patrocinada por la Diputación de Alicante, titulada “A espátula”. Del 11 de noviembre al 10 de diciembre de 2015. Se ha editado un estupendo y documentado catálogo de la exposición y de su proyección artística.

   Ayer tarde, 20 de noviembre, me acerqué al Ateneo a ver la obra de Inmaculada, y la primera impresión que recibí es que los ojos se me llenaron de colores y de luz, pudiendo comprobar que siguiendo fiel a su estilo y a la técnica de la espátula, logra efectos y resultados que solamente se consiguen con muchos años de oficio, en el que lleva más de veinte años investigando, arriesgando, y obteniendo magníficos resultados, efectos de luces, colores y contraluces.
     Hay paisajes como el “Puig Campana” que me recuerda a las obras del maestro alicantino Santana, pero que Inmaculada lo lleva más allá, con más fuerza y expresividad. Otros cuadros como “Gastell de Guadalest” (2 obras)  tiene el poder de la impronta y de la resolución  a la primera. Porque la espátula como la acuarela tienen la dificultad que han de ser limpias y no se puede “enguarrinar” o ensuciar, porque se nos pondrían grises.
      Por ello la primera impresión, la decisión del impacto es crucial en Inmaculada que ha conseguido conjugar magistralmente los colores limpios y para demostrarlo nos trae dos cuadros de gran formato de 100 X 100, lo que nos indica que estamos ante una pintora consumada y valiente. Otra obra de gran formato que me ha sorprendido es el de la “Cueva de Nerja”, donde con una combinación de azules, blancos y acertados puntos de amarillo consigue que veamos por medio de la abstracción las estalactitas y las estalagmitas de la cueva, de un mundo subterráneo de gran belleza y de difícil ejecución.  
      Para mí, la obra que asombra y quizás culmine esta exposición es su cuadro “Río Ambroz” donde un árbol en primer plano de hojas marchitas por el cercanía del otoño, resiste a las envestidas de un río bravo. En la ejecución de esta obra podemos observar que se ha debido ejecutar por etapas, esperando el secado de los colores aplicados en primer lugar, que son la penumbra de un puente de arco romano, donde aprecio una atmósfera de humedad por los azules, rojizos y amarillos en una amplia gama, nos trae el recuerdo de los paises alcoyanos.
     La técnica de la espátula es compleja, pero Inmaculada conocedora del batirse con ella, lo hace que parece fácil, y a uno le entran ganas de imitarla, pero uno sabe que no es posible, porque el estilo personal es algo que se lleva en los genes. Y ella hace una obra "companyana" ´única e inimitable. 
     Los temas son variados: paisajes, marinas, urbanos, estanques y naturaleza llevadas al extremo de la abstracción, sin dejar de mano la comprensión de los motivos. Temas en la mayoría alicantinos, porque hemos de recordar que Inmaculada nació en Alcoy, tierra de grandes pintores.
   En definitiva, Inmaculada, creo que esta muestra es muy digan y tiene gran mérito donde veo la mano de una pintora con gran dominio de la espátula, que domina  un estilo personal que solamente el oficio de muchos años puede conseguir.
   Mis felicitaciones.

PALMERAL
Alicante, 21 de noviembre de 2015

sábado, 14 de noviembre de 2015

Prácticas de hiperrrealismo de Ramón Palmeral. Bote de colonia 1995

El objeto es un tema secundario. Hiperrrealismo



(Bote de colonia obra de Ramón Fernández, óleo sobre lienzo de 1995). intentos de hiperrealismo.
El hiperrrealismo es algo más que una fotografia, los colores deben de vibrar. Colini Massimo Dutti

Me costó años darme cuenta de lo mismo que se habían dado cuenta, un siglo atrás, los impresionistas, que lo importante no es el tema, ni copiar el tema tal como es en la realidad, o hacer un calco de la realidad u objeto real, sino interpretar el objeto desde el punto de vista del autor, es decir, que el punto de vista del autor tome relevancia, es un nuevo renacimiento de la pintura, donde el hombre interior toma protagonismo. Buscar lo que vive entre el objeto por representar y el punto de vista creativo del autor. Monet ordenó perfectamente sus prioridades cuando dijo: “El objeto tiene para mí importancia secundaria; quiero representar lo que vive entre el objeto y yo”. O lo que es lo mismo pintar lo que se siente.

Porque lo importante en la figuración moderna, no es copiar el objeto o representarlo al modo los hiperrealistas, fotografías copiadas y otros sistemas, sino que entiendo que hay que reinterpretar una realidad nueva, por ello el cuadro del bote de colonia no se terminó, en la idea de que se vieran varias fases del trabajo de pintura, dejando al bote sin terminar, como queriendo salir del cuadro o tomando vida dentro del cuadro:


Bote de colonia de la marca Massimo Dutti.
Como podemos apreciar si comparamos los dos cuadros, el de la parte superior es una copia de la realidad, sin más relevancia; sin embargo en el cuadro de abajo aporta una firguración modernista, de más relevancia plástica.

jueves, 12 de noviembre de 2015

La tertulia de los jueves en Centro de Arte sobre el pintor Jean Simeón Chardin











  Cuando vemos con espanto la injusticia que el azar que rige la vida, cometió con artista tales como van Gogh o Modigliani, que vivieron poco, pasaron hambre y hoy sus obras se venden en las subastas por millones, recordamos y traemos a colación, la  popular e irónica frase de que “unos nacen con estrella y otros nacen estrellados”. Y uno de esos nacidos con estrella lo fue en la historia de la pintura, el francés JEAN SIMEÓN CHARDIN: rico de nacimiento (su padre, ebanista,  era algo así como el rey de los billares); a los veintinueve años fue descubierto por  dos miembros de la Real Academia de Pintura y Escultura, en una de las exposiciones de juventud de las que se celebraban al aire libre en la plaza de Dauphine en Paris, y a la vista de sus dos famosos bodegones “La raya” y “El buffet”, fue propuesto como académico, aunque lo fuera en el nivel más bajo de la jerarquía de los géneros, -como lo era el tema de los animales y frutas-, que regía en la Academia Francesa, que estaba precedido por: históricos, retratos, paisajes, marinas, flores y frutos.
 Sin embargo, sus bodegones alcanzaron tal prestigio, que saltaron de lugar en la preferencia de la burguesía y se los quitaban de las manos. Pero quería demostrar que era algo más que eso, y en una segunda época se especializó en los temas intimistas de las escenas familiares con madres y  niños, al estilo de holandeses y flamencos, creando en ellos una atmosfera de realidad y encanto, que subyugaba a los burgueses  que le compraban sin rechistar a los  altos precios que él imponía. Luego y ya en una tercera y última época, se dedicó a retrato, con preferencia en la técnica del pastel, e igualmente triunfó artística y económicamente, hasta el final de sus ochenta años de vida exitosa y longeva para aquellos años, tras haber disfrutado del amor de dos mujeres, de nombre Margarita: la primera se deshojó a los pocos años de casados, y la segunda, bastantes años más joven que él  le sobrevivió. Y  el colmo de los colmos del éxito en vida para un pintor: el rey le concedió vivienda en las Galerías del Louvre, donde acabarían colgados, tras su muerte, mucho de sus cuadros.
  Lo dicho, “unos nacen con estrella y…”; Chardin, fue y sigue siendo una de las más rutilantes estrellas de la pintura francesa del rococó tardío.
 Con todos esos mimbres la sesión de hoy de “LA TERTULIA DE LOS JUEVES”, en nuestro CENTRO DE ARTE, ha transcurrido en paz y armonía, y tras las siempre excelentes y documentadas introducciones al tema, de nuestros compañeros MARÍA ROSA AZORÍN, PEDRO ORTIZ  y RAMÓN RODRÍGUEZ, han intervenido  RAMÓN PALMERAL, para encuadrar la vida del pintor en su contexto histórico y  ELENA SAINZ, en el aspecto existencial y metafísico que dimana de la pintura del Chardin. Un lujo de apostillantes que enriquecen con  su cultura nuestras exitosas tertulias.
  Y para terminar, se acordó  que en la tertulia del próximo jueves día 19 de noviembre,  se trataría la vida y la obra del renacentista italiano GIOVANNI BELLINI.
Carlos Bermejo
Comentarista de la AAA
Alicante, 12 de noviembre de 2015

jueves, 5 de noviembre de 2015

La miliciana y el egipcio. Una obra de Palmeral

Esta obra es un dóptico de gran formato ded 180 X 90 cm. que representa a dos figura, un hombre y una mujes, que he titulado por el gorrito de la mujer "La miliciana" y al hombre con ojos de higos verdes "El egipcio", por la forma del pelo.
Es un óleo cobre texncias mixtas de la superficie de la textrua que está montada sobre tablex. Es un cuadro con línas de mi estilo "intelectuialismo", Los cuales están marcados con los tomates, simpolos de mis caudros de esa época.
Ramón Palmeral