Tres versiones del castillo de Santa Bárbara de Alicante. Cabeza del Moro Juan Alí, óleos de Ramón Palmeral

 

1.-Castillo en la luz violácea de strees

2.-Castillo a la lu de la hora del birlibirloque

Tres versiones del castillo de Santa Bárbara de Alicante. Cabeza del Moro Juan Alí, óleos de Ramón Palmeral

 

1.-Hombre de jabalina. Castillo de Santa Bárbara

2.-Castillo a la luz del crepúsculo

3.-Castillo de San Bárbara después del sumani de 2049

Las Maninas de Velázquez. "Diego de Velázquez tomando perspectivas desde el techo del salón del palacio de Felipe IV" obra surrealista de Ramón Palmeral 1999

 "Diego de Velázquez tomando perspectivas desde le techo del salón del palcio de Felipe IV donde iba a pintar las Meninas o familia de Felipe IV" obra surrealista de Ramón Fernandez Palmeral, 1999.

Óleo sobre contrachapado de 30 x 40 centimetros. 

Todo artista de la pintura y sobre todo de la arquitectura debe conocer las técnica de las perpectiva que se da en Dibujo de Bachiller. Aunque hoy en día se usan los programas avanzado de diseño en ordenadores.

Diseño de Palmeral de un sello de Correos. Tu sello. Personalizado. Para la 74 Asamblea de Antiguos Alumnos de los Colegios de la Guardia Civil para Alicante 2023

 

    Los sellos estará disponible en el Grupo "Polillas" de Alicante.

Los Polillas de Alicante (Antiguos Alumnos de los Golegios de la Guardia Civil), felicitan la Navidad con un cuadro del que soy autor.

 

  Todo un honor que este año 2022, los Polillas de Alicante hayan decidido elegir mi óleo: "La encubadora de los guardias civiles", un óleo de 30 X 40 cm. asobre idea de Miguel Ángel Viso, para felicitar la Navidad de este año. Ellos lo titulan "Fábrica de Polillas".

 

    Óleo de Ramón Palmeral sobre idea de Miguel Ángel Viso.

 

¿Por qué se llama Polillas?

Le llaman Polillas, porque en la revista de un Jefe a Guardias Jovenes "Duque de Ahumada", uno de los alumnos tenía una rotura en el uniforme. "¿Y esto qué es?" Increpó el Jefe. Al alumno se le ocurrió responder: "Habrán sidos las polillas". A lo que el Jefe con el bigote retorcido dijo: "Tú sí que eres una polilla". Y de aquí viene al apelativo cariñoso de Polillas a las guardias jovenes formados en los tres colegios: Duque de Ahumanda, Juncarejo e Infanta MaríaTeresa.

 

                   Revita del Jefe a los Guardia Lovenes, llamados Polillas

 

La 74 asamblea sera en Alicante los día 2o al 23 del mes de abril del año 2023, leer la sigueinte nota:

DE LA CREATIVIDAD Y LOS PROCESOS ARTÍSTICOS

 

DE LA CREATIVIDAD Y LOS PROCESOS ARTÍSTICOS

 

Ramón Fernández Palmeral

 

Los individuos creativos suelen ser enormemente intuitivos y están más interesados por el significado del mundo exterior que por su percepción sensitiva.

 

Cualidades de la creatividad

 

La creatividad es sinónimo de pensamiento original y único, y es la capacidad de innovar, de crear​ nuevas ideas, conceptos mentales, psíquicos o físicos, no solo en las artes plásticas, sino incluso en el deporte, por ejemplo, un futbolista creativo es imprevisible en el terreno de juego y por lo tanto muy apreciado por los técnicos y entrenadores. Como dicen Dorte Nielsen y Sarar Thuber: “El talento creativo ni es innato ni depende de la inspiración y las musas, sino que consiste fundamentalmente en saber hacer conexiones entre cosas, ideas o conceptos que aparentemente no tienen nada que ver”. Igualmente, en la vida laboral las personas con pensamiento divergente tienen soluciones que escapan a una persona llamada “normal”; por lo tanto, la creatividad  es una habilidad típica de la condición humana, divergente y espacial, mental, e incluso, también la poseen algunos primates superiores como los primates, y algunas aves, por ejemplo, al construir sus nidos. Y en el mundo de las artes plásticas no se conforman con imitar, sino en crear e innovar.

 

La creatividad tiene relación con la inteligencia y con la memoria, pero sobre todo en la fe en uno mismo y en arriesgar, estos parámetros engloba varios procesos mentales, neuronales complejos, que se originan incluso durante la niñez, es la capacidad de salir victorioso, por ejemplo, de una mentira cuando se ha visto acorralado por sus padres, profesores o amigos,  que le hacen desarrollar habilidad del “escape”, imbricado en su ingenio. En sus relaciones laborales o familiares usan del ingenio “dominante” y  estrategias mentales entre el pensamiento convencional y el creativo, pero la cualidad de la creatividad puede ser valorada por el resultado final adyacente o colateral. Sin embargo, el proceso creativo es una constante lucha contra la frustración, porque no todo sale como el creador pretende o desea, y por ello es como andar sobre una cuerda en equilibrio con los ojos vendados. El creador es el inventor nato por excelencia, que a todo encuentra soluciones. Lo monótono y repetitivo le aburre. El niño creativo en una clase donde el maestro o profesor no les reta constantemente se aburren y se muestran ladinos.

 

¿En qué consiste crear?

 

Crear consiste en componer, mentalmente, una situación imaginaria, una visión futura y sensible del mundo real o probable, del mundo visible e invisible, a través del uso de recursos plásticos, sonoros o lingüísticos, mediante la exposición o intentos del intelecto humano en ponerse en situación del futuro. Sin duda alguna, quien no piensa por lo alto no suele conseguir objetivos. Como decía Mar Twain: “La necesidad es la madre de tomar riesgos”. Porque sin riesgo no es posible el existo ni la victoria. En artes, los impresionistas rompieron con el academicismo, y los expresionistas con el impresionismo, y el abstracto con la figuración clásica. Las corrientes ligadas al posmodernismo (tanto en arte, como en la novela o la poesía) suponen un nuevo cambio en la sociedad que se verá reflejado en una nueva forma de crear, en los campos de la provocación y de facto, el enfado del público espectador. Romper convencionalismos. William Faulkner decía: "El artista, será completamente despiadado (con el espectador) si es un buen artista. Tiene un sueño, y ese sueño lo angustia tanto que debe librarse de él. Hasta entonces no tiene paz". Es decir, el creador o el artista luchan siempre consigo mismo, y es él su peor enemigo y su más severo crítico. La idea de ser siempre feliz es un engaño, ya que la vida es un camino de insatisfacciones, esta es la realidad.

El proceso consiste en practicar a través de la valentía del elemento creador, mediante el recorrido visual o presente de la convivencia o, si fuera en el arte, visitando museos, revistas o exposiciones. Cuando, por ejemplo, por la mañana escribimos un texto nuestra creatividad fluye sola, después es cuestión de pulir lo escrito, usando el propio criterio,  nada más.  Ha de crear su propia personalidad e inventar su propio “yo”, como hizo Salvador Dalí, se inventó el personaje de pintor excéntrico de Dalí, además de ser un excelente surrealista. Cuanto mayor es la necesidad que sea, en mayor medida se desarrolla como una cualidad inherente a la supervivencia del individuo. El fuego fue sin duda alguna la creatividad adaptativa más sobresaliente de la humanidad por la necesidad de evitar el frío y para cocinar alimentos más digestivos.

 

Respeto a la artesanía, habilidades y artes pláticas, el cerebro creador asimilará cada estampa o recuerdos, innato en el acumulador de su subconsciente en el modelo plásticos de su mente. El proceso es estudiar y leer todo (bueno y malo) para el proceso de absorber.  Muchas veces, diría que en un 90 %, las cosas no salen como uno preveía, pero errar es perder una base o una baza, no la batalla, no rendirse y levantarse siempre quijotescamente, y emprende un nuevo proyecto, o una salida, porque el creador debe entender que el fracaso y la equivocación es una parte del proceso creativo, de cualquier proceso como  el empresarial, investigativo y el arte que es el que me voy a centrar.  Debemos borra de nuestra mente “miedo al fracaso”. Uno cree tener derecho a ser siempre elegido, pero no, el mundo no te debe nada. La diferencia entre unos y otros, son las oportunidades y los padrinos, sin becas o sin mecenas los proyectos caen en la escalada de las paredes verticales de roca llamada éxito y si tú no los levantas obra ves, ellos no se levantan solos. Por lo tanto, el proceso creativo consiste, principalmente, en prepararse y en emprender, probar sin frustrarse en la ecuación: “Probar, errar y volver a probar”. Luego, todos, como moscas a un panal, se apuntarán al éxito de los demás.

 

 

La creatividad en el arte

 

La creatividad en el arte nace de la necesidad y de la frustración. La creatividad está asociada a la frustración puesto que cuando un proyecto fracasa, el mundo no se acaba, sino que tratas de superarte, creando algo nuevo, demostrar lo que vales, porque, indudablemente, de los errores se aprende. Y nadie nace sabiendo. Por consiguiente, debemos ser tolerantes ante las frustraciones y saber que el mundo del arte es así, y superarlas para que no nos inmovilicen, esto es lo que hacen los artistas y escritores, cotidianamente, ante los fracasos: probar e innovar, porque si todo sale bien en la vida vendría, consecuentemente, la comodidad y la vagancia. Todo artista es el resultado de sus fracasos. Y lo comento por experiencia personal. La solución pasa por darse a conocer y estar en todas partes de tu localidad o ciudad, que te conozcan.

 

Como he afirmado: la creatividad en el arte se aprende de la frustración, por ello requiere  una etapa primera  de  aprendizaje o formación con un mentor, si es posible, de observación, de  estudio, de teoría y práctica, y por supuesto, equivocarse para encauzarte. Al creador nato no le asustan los fracasos, porque su registro consiste en probar otros retos.  Podríamos hablar de una biológica creativa asumiendo determinados patrones y modelos de conducta. Puesto que la creatividad es como una especie de necesidad,  que le sirven de muestra  satisfacer esas necesidades y orientarse en el medio artístico, a veces competitivo, porque la competición, el certamen, o  el optar a  premios, estos retos agudizan el ingenio. Normalmente crear es un esfuerzo mental, una pequeña lucha por innovar, inventar una técnica nueva y  romper una tendencia, movimientos, etapas o estereotipos que se convierten en moda.

 

Una, de las realidades inherentes a la creatividad, en el campo que sea. es la fe o confianza en las propias posibilidades, fe en uno mismo y en la capacidad de emprender proyecto aunque sean complejos. Si no hay fe, no se abren los caminos.

 

 

Arte contemporáneo

 

Al arte contemporáneo o posmoderno da comienzo a mitad del siglo XX hasta nuestros días) se llega tras un proceso de trabajo, es un paso comprensivo conceptual del artista en la historia. No se hace desde los inicios, sin compresión de la historia del arte, sin aprender técnicas y conocimientos, sino que se llega.  Al ver una obra abstracta, el ignorante exclama: “Esto lo hace mi niño”. No todos los espectadores tienen el por qué ser entendidos en arte contemporáneo, para  hacer una reflexión sobre ellos, sino que están ahí como obras contemplativas, porque detrás de la obra existe un proceso, un estilo, una técnica, en la mayoría de los casos como técnica  secreta del artista. No hay límites para la imaginación del creador. La obra de la pintura contemporánea no se crea para que guste, sino para el comercio del arte (galeristas, coleccionista, subastas, museos...).

 

Cuando en el Salón de Otoño de París de 1905 expusieron los impresionistas y  luego los fauvistas, le llamaron salvajes y le criticaron ferozmente, hoy día, a cualquiera les gustaría tener en casa un  Monet, un Degas,  un Van Gogh o un Gauguin o un Picasso original en su casa, estos artistas rompedores, en su época, han pasado de ser salvajes a modelos por admirar en museos e imitar. Y todo ello, porque se atrevieron, en su día, llevador por la necesidad a romper y a crear pintura nueva. El crítico francés Louis Vauxceller (Louis Mayer) colaboró con distintas publicaciones como, L'Art et la Vie, haciendo críticas de las exposiciones artísticas parisinas. De fuerte espíritu conservador nunca comprendió la causa del vanguardismo al que desacreditaba en sus artículos. Así escribió una crítica sobre el Salón de Otoño, en la que exponían artistas como  Matisse, titulado “Donatello parmi les Fauves” (Donatello entre las fieras), que dio origen al término Fauvismo, porque en el salón había expuesto un  David, un bronce de Donatello. Tanto los simbolistas, impresionistas en el silo XIX, como los puntillistas, cubistas o surrealistas de principios del siglo XX, que pertenecen al llamado modernismo rompieron con las tendencias tradicionales academistas, dio paso a los posmodernistas del arte contemporáneo del expresionismo abstracto norteamericano como Pollock, Rothko, Picasso...  

 

Los museos de arte contemporáneo que más me han impresionado han sido: el Reina Sofía de Madrid, la Tate Modern Gallery de Londres y el MACA de Alicante. En unos cobras entradas y en otros no, pues no hay que ser muy listo para comprender el negocio. Entonces, al verlos, comprendí sobre la importancia del lugar que las obra de arte han de ocupar, y donde ellas florecen con todo su esplendor, colgadas de en los museos, rodeadas toda la parafernalia de seguridad, atmosfera, iluminación y ambiente que les rodean. Con la obra de Juana Francés (1924-1990) expuesta en el MACA,  me vi apabullado por esta mujer de la vanguardia española, que practicó el informalismo matérico, que estuvo tres veces en la Bienal de Venecia representado la modernidad de España franquista, pareja y esposa del gran escultor maño Pablo Serrano.

 

Hace unos días vi junto a un contenedor de basura un cuadro al óleo de un paisaje, estaba enmarcado en un viejo dorado. Los peatones pasaban sin mirarlo, y allí se quedó la obra de arte como una basura más porque no estaba expuesto en el lugar adecuado (es decir, en un museo) hasta que pasó el camión de la basura y se lo echó como un muerto a la cubeta de carga y descarga.

 

La filosofía en el arte

 

A través de la filosofía, del filosofar se desemboca a la creatividad, igualmente que una ola conquista con su energía cinética una playa o rompe a bofetadas de espumas contra una roca en un acantilado volcánico del Cabo de Gata. Todo es ponerse a ejercitar la pintura como la lírica, puesto que la poesía también es una de las artes de la Literatura que puede ser contemporánea si se deja que trote libre por los folios o las pantallas de los ordenadores.

 

La poesía es el arte de la palabra y de las emociones que exige un recogimiento interior, a veces, doloroso como en “Las Nanas de la cebolla” de Miguel Hernández.. (Ver ti artículo de “La creación poética” en esta revista). La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes, orgánicas o sintéticas.  Si buscamos  La Metafísica de Aristóteles, el griego fija el objeto de la “primera filosofía” como la ciencia sobre los primeros principios y causas de todo lo existente, sobre el ser óntico (es existencia física, real o fáctica), en general, sobre la esencia, a diferencia de otras ciencias que estudian un ser determinado, concreto. Los árabes tradujeron a Aristóteles porque comprendieron que sin filosofar no se podía pensar ni convencer a sus seguidores en empresas que requerían de creatividad espacial.

 

La creatividad incursiona en lo no dicho, en lo no pensado, en el nuevo, extraído, a veces con tenazas del limbo de las ideas conexas o inconexas, o, por el contrario, surgen en un mini segundo, tras una simple lectura o una reflexión. Porque la filosofía es un conjunto de razonamientos lógicos y metódicos sobre conceptos abstractos que tratan de explicar las causas y fines de la verdad, la realidad, las experiencias y nuestra existencia y el por qué opinamos y estamos en este mundo.

 

Julia Cameron en escribe sobre El camino de artista: “La mayoría de nosotros anhelamos ser más creativos y muchos creemos que conseguir serlo es imposible porque en realidad no lo somos. Este planteamiento es erróneo y lo único que provoca es que nuestra creatividad se quede dormida en nuestro interior junto a nuestra verdadera esencia”. Por lo tanto, se ha de utilizar una serie de herramientas de motivación (el sueño) que nos ayudarán a terminar con el bloqueo creativo, con el mundo perdido de las tinieblas.

 

El mundo no nos debe nada

 

El artista, todos y, me incluyo entre ellos, hemos de ser persistentes, no desfallecer nunca, lo digo sobre todo cuando concursamos a premios o certámenes tanto de pintura, novelas o poesía, y no somos seleccionados. Ante la adversidad no hay que rendirse, sino como héroe griego Anteo, que cuando caía se levantarse con más fuerza. Nadie no obligó a concursa, los premios y certámenes son libre y se crean con la mejor intención de promocionar a los artistas y escritores. Cuando nos preselecciona con una obra, ya es un éxito, luego puede ser que no nos selecciones para premios, es decir, lo que se llama ser finalistas. Hay que saber perder con elegancia. Nunca cabrearse con el jurado. El mundo no nos debe nada. Pablo Picasso nunca ganó un premio de pintura, ni falta que el hacía concursar. El poeta Miguel Hernández nunca se rindió a pesar de estar enfermo en una cárcel franquista. Cuando en sus últimos días no podía escribir cartas las dictadas a sus compañeros de prisión. Siempre debe prevalecer la voluntad de vender, la libertad de ejecución y la explotación del éxito por pequeño que este sea.

 

Perder para levantarse con más fuerza debe ser la reacción lógica, tal y como he comentado sobre la frustración, esta debe de durar lo mínimo, hasta comenzar con un luego proyecto con ilusión  que es la esperanza, con o sin fundamento real, de lograr o de que suceda algo que se anhela o se persigue y cuya consecución parece especialmente atractiva. ¿Acaso no habéis pensado en una posible situación futura que os ha parecido tan posible, que nos la hemos creído? Esto es la ilusión, un ejemplo literario es la vida y andanzas de Alonso Quijano (Don Quijote), que pensaba creerse un héroe caballero medieval, y se llevaba los palos reales que da la vida cotidiana, sin embargo, él era feliz en sus ilusiones de grandeza.

 

Que una determinada obra sea rechazada por un jurado, no quiere decir que esta sea mala, sino que no le gustó a este jurado, e incluso de dan casos,  que esa obra rechazada se presenta a otro concurso, y podría ganarlo. Grandes novelas, antes de ser publicadas, han sido previamente rechazadas por una docena de editores.

 

 

Conclusión

 

Si la creatividad nace de la necesidad y de la frustración, el arte de la pintura llamada contemporánea, también lo es resultado de la frustración. El individuo, las personas, debemos entrenarnos en el hecho de saber superar las situaciones de frustración (ser rechazado como optante a premio) para, después, ser más creativos en todos los ámbitos: laborales, artísticos, culturales y sociales. Nunca debemos rendirnos ni tener miedo al ridículo ni a fracasar, el gran pintor surrealista Salvador Dalí, nos dio una gran lección de su personalidad extravertida, exhibicionista y creativa, puesto que si la persona, el artista no cree en su propio trabajo, no puede esperar que los demás (público, directivos, empresarios, mecenas, jurados etc.), crean en él. Es un error vivir en la creencia que uno siempre ha de ser feliz, porque la vida es un camino de frustraciones e insafisfacciones.

 

 

 

 

Notas bibliográficas

 

-Dorte Nielsen y Sarar Thuber, Conexiones creativas. La herramienta secreta de las mentes innovadora. Amazon, 2018

-Julia Cameron, El camino del artista, Aguilar, 2011

-Ramón Fernández Palmeral, Paroxismo de masas, Amazon, 2018

 -Sigmund Freud. El Psicoanálisis Y Las Razones Del Malestar Humano (Uoc) de Marín Francesc Xavier

 

 Ramón Palmeral

Alicante, diciembre de 2022

"Niño con ambliopía" 100 X 100 cm. Ramón Palmeral, fue preseleccionado en 2022, para el Certamen de pintura de "Miradas" 2023

 

Óleo sobre lienzo de 100 x 100 "Niño com ambliopía". Ramón Palmeral. Preseleccionado para el Certamen de pintura de Miradas de la Fundacion Jorge Alió de Alicante, 2023. Se pintó durante tres meses en mi taller de Alicante durante la pandemia en el invierno de 2020. Fue preseleccionado, pero no llegó a finalista, reconozco que me faltaron 15 ó 20 horas más de trabajo.

 

Adjunto certificado de la Preselección:

 

 

¿Qué es la ambliopía?

La ambliopía (también conocida como ojo perezoso u ojo vago) es un tipo de visión deficiente que se presenta en un solo ojo. Se desarrolla cuando hay una falla en el funcionamiento conjunto del cerebro y el ojo, y el cerebro no puede reconocer la visión de un ojo. Con el tiempo, el cerebro depende cada vez más del ojo más fuerte, mientras que la visión del ojo más débil empeora. 

Se conoce como "ojo perezoso u ojo vago" porque el ojo más fuerte funciona mejor. Sin embargo, las personas con ambliopía no son “perezosas” ni pueden controlar la forma en que funcionan sus ojos. 

La ambliopía comienza en la niñez y es la causa más común de pérdida de visión entre los niños. Hasta 3 de cada 100 niños la padecen. La buena noticia es que el tratamiento temprano funciona bien y generalmente previene los problemas de visión a largo plazo. 

¿Cuáles son los síntomas de la ambliopía?

Los síntomas de la ambliopía pueden ser difíciles de notar. Los niños con ambliopía pueden tener una percepción deficiente de la profundidad, es decir, tienen problemas para saber qué tan cerca o lejos está algo. Los padres también podrían notar señales de que su hijo tiene dificultades para ver con claridad, como por ejemplo: 

• Entrecerrar los ojos para poder enfocar 
• Cerrar un ojo 
• Inclinar la cabeza 

En muchos casos, los padres no saben que su hijo tiene ambliopía hasta que un médico la diagnostica durante un examen de los ojos. Por eso es importante que a todos los niños se les haga un examen de los ojos al menos una vez entre los 3 y los 5 años de edad. 

LEER articulo en  Hoja del lunes.com de Alicante

 

Dos obras para la exposición del minicuadro de la Asociación de Artistas Alicantinos, 16 de diciembre 2022, "Rayismo" de Palmeral

 

Autor: Palmeral (pintor alicantinos) 2022

Dumensiones. 21 X 29 cm

Estilo: abstracción serie rayismo

Precio 120 € cada uno. 200 € si se compran los dos.

Inauguración el 16 de diciembra 2022  asl 19:30 horas

El artista procurará esta presente en la inauguración.

Dos obras de Ramón Palmeral de la serie paroxismo de masas.

 

Dos obras de la serie "Paroxismo de masas" de 21 x 29 centimetros, técnica mixta firmados por Ramón Palmeral. .

Enlace para ver los cuados con más detalle:

https://palmeral2.blogspot.com/2022/11/paroximo-de-masas-2022-de-palmeral-arte.html

Enlace Artelista galería de Ramón Palmeral:

https://palmeral.artelista.com/

¿Qué es aArte?

Actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido.

El arte conemporáneo no tiene porque gustar. Es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura y conocimientos de teoría de color, distintos materiales especializados o reciclables.

Ramón Palmeral. Mi sello cromático empezó con un tomate. Símbolo de mi serie intelectualismo. Y es este que muestro aquí

 

                                 (Primera obra de Palmeral con dos tomates es de 2002)

  En 2002, Ramón Palmeral, firmaba cono Ramón F. (Fernández), sucedió tran un periodo de feflexion por conjesos de mi mentor Fernando Soria, que me enseñó el camino hacia el estilo personal,  cambié mi firma por Ramón Palmeral, hata derivar en solo PALMERAL. Pienso que el pintor aficionado como el profesional deben firmar con claridad, y con un nombre que, de ser posible, sea único, teniendo en cuanta que firma ha ser su marca, porque la firma de la marca comercial, y su tellama Pepe García (no sobresale). Cuando se empieza lo importantes es copiar y derivar en la búsqueda de un estilo propio y personal. Esto se cuentra cuando se trabaja con frecuencia diaria, porque llegas solo con la prctica, ya que lo importante en las artes en ARRIESGAR´, probando sin importar los resultados, con le tiempo todo se reune como los fragmentos de un imán. 

Luego, al arte abstracto, se llega, porque es un camino de investigación. y es el "culmen" el paradigma del arte contemporaáneo. No se puede estar siempre pintado casitas, paisajes bucólicos, flores  y bodegones para agradar al espectador o a tus amigos. Al pintor, le debe gustar su obra así mismo con todas las consecuencias. Ha de tener fe en lo que hace. En mi próximo artículo en la revista estadounidensen Meer hablaré de La Creación artistica.

Ramón Palmeral

Luego derivó en la expresilon cubista del los tomates como hortaliza humilde: Ver tomate azul.

Ramón fue Mendión de honor en Miradas en el año 2002

    Ramón Palmeral es el pintor de los tomates de todos los colores.