Ramón PALMERAL: Pablo Ruiz Picasso y sus etapas pictóricas. por Ramón Palmeral (pintor)

lunes, 22 de febrero de 2016

Pablo Ruiz Picasso y sus etapas pictóricas. por Ramón Palmeral (pintor)

Pablo Picasso: sus etapas pictóricas

PRESENTACIÓN de la conferencia

Buenas tardes:

Vamos a acercarnos a la figura de Picasso a través de sus obras. Nos encontramos ante un pintor, pintor, no un funcionario que en ratos libres pinta, o que tiene otra profesión o jubilación para subsistir. No, Picasso, desde sus primero años de bohemia y de penuria económica vivía de la pintura, tenía muy claro lo que quería, jamás trabajó en otra profesión. Por lo tanto nos hallamos ante un auténtico pintor y artista del que podemos aprender mucho. Es un mito, una leyenda, para otros un "demonio de sangre pura" o demonio de manicomio, pero nadie duda de que la palabra Picasso es sinónimo de "Arte Moderno", que se considera modelo y ha influido en jóvenes artistas. Es célebre y además popular, tenía una gran vitalidad, siempre rodeado de bellas y jóvenes mujeres que creían era un ser sobrenatural, a pesar de ser pequeño y robusto, pero irradiaba energía y seguridad, confianza en los demás. Se mostraba en público con en torso descubierto, bronceado, con pantalón corto o con playeras, demostrando el carácter excepcional de su existencia. Murió con 92 años y multimillonario. Conocía muy bien la fórmula del éxito E=S+T (éxito es igual a seguridad en sí mismo más tenacidad).

Quiero documentar esta charla más que conferencia con ilustración de diapositivas, sus inicios infantiles y juveniles, sus etapas, periodos o época pictóricas, y su lenta evolución hacia lo que fue sus creaciones últimas. Por ello, es bueno conocer el trabajo de un genio, para que seamos humildes, y no nos lanzaremos negligentemente al arte contemporáneo sin una trayectoria de trabajo, para si cabe llegar al abstracto o lo que nos dé la gana, pensando ingenuamente o diciendo "que sean los críticos los que se rompas la cabeza", eso es tirar por tirar. Hay que ser más serios. Dijo Picasso: "Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta".

Pablo Ruiz Picasso es uno de los más prolíferos creadores de toda la historia, con más de 10.000 pinturas y un total de un 50.000 creaciones en su haber, aunque no se puede conocer con exactitud la totalidad de su obra. Considerado el artista más importante del siglo XX además tanteó todos los movimientos de vanguardias así como sus técnicas. Todos los museos más importantes del mundo se disputan sus obras. Tienen 4 museos individuales: París, Barcelona, Antibe y Málaga. Si fuéramos poseedor de uno de sus cuadros le solucionaríamos la vida “económica” a toda nuestra familia y a e incluso sus descendientes. Es continuador de la revolución estética del impresionismo. Una vez llegó a decir “La gente no quiere mis cuadros, quiere mi firma”. Es conocida la opinión de que cuando

se tiene firma haces dos rayajos y te lo compran, yo no sé cómo se hace esto”.

Pero quizá la grandeza de este indiscutible genio estribe, sobre todo, en haber sido único y genial en todas sus facetas en las que se ejercitó, inventor de formas, supo aportar nuevos caminos en las artes, en haber logrado convertir la representación de la realidad en otra forma de verla, en la escultura, el dibujo, la cerámica, la obra mural, gráfica, ilustraciones de libros, el diseño teatral, la poesía, el teatro o el cine donde fue actor de su propio personaje. En la variedad de estilos y temas se encuentra su gran valía.

Generalmente no abandona un estilo, a veces vuelve sobre él, como con el realismo el clasicismo, cubismo (diferentes clases), expresionismo y con el surrealismo, o combina varios estilos como el cuadro de “El Guernica” del que ya hablé en mi conferencia y que no representa al bombardeo de Guernica sino que es el acoplamiento del cubismo y el surrealismo, todo el Guernica lo tenia preconcebido antes del 26 de abril de 1937, no hizo falta inspiración de este detonante. (ver mi artÍculo en LETRALIA)

Picasso es un artista sumamente polifacético, trabajador insaciable, innovador, experimentador, técnicas ,estilos, materiales, trabajando desde muy temprana edad de manera totalmente libre, dirigido en principio por sus profesores (Muñoz Degrain y Moreno Carbonero) y su padre que le apoyaba y luego por su gran inspiración y curiosidad siendo libre de cualquier atadura externa.

No creamos que Picasso no sabía dibujar y por eso pintaba esos cuadros. Esto es un error, El dibujo será su soporte principal en su formación académica y en el esqueleto de sus obras. En la conferencia magistral de Antogonza que dio precisamente en este sala el 29 de octubre, ya nos mostró, entre los dibujos que trajo, unos retratos de Picasso. Dijo que “un cuadro bien pintado está bien dibujado”. En realidad esto lo corrobora Rafael Llorens, cuando dice que el dibujo es el esqueleto del cuadro”. Premisas que tienen su origen en Cézanne “No hay un buen cuadro si no hay un buen dibujo”. Picasso viajó varias veces a París, meca del arte, Ciudad de la Luz, (otra ciudad importante en esa época era Munich), allí conoció la obra de los impresionistas Degas, Gauguin, Van Gogh, Cézanne y sobre todo Toulouse-Latrec, y la de Alexandre Steinlen.

Lo que no enseña Picasso es que existen otras realidades, o como escribe Ana R. Mantovani:

El arte de Picasso no es un arte que imita la realidad; es un arte que la evoca a susurros. Y te lleva más allá; te reta a enfrentar la posibilidad de que la realidad -tal como la imaginas- no sea la única posible. Picasso asegura que él utiliza las cosas como sus pasiones lo mandan, regalándonos su perspectiva y ofreciéndole alas a la nuestra. ¿O es que al ver un objeto nunca te has imaginado, al mismo tiempo, como sería la parte de atrás?" (Una "affaire con Picasso).

Es un pintor personalísimo y original, infatigable trabajador, solía pintar de noche. “Que la inspiración me coja trabajando”, solía decir. Yo os recomiendo que cuando vayáis a Málaga o Barcelona no dejéis de visitar el Museo Picasso, os sorprenderá. No quiero que se me olvide decir que en 1971, expone 8 cuadros en el Louvre, (es la primera vez que expuso un pintor vivo). Lo más didáctico y ameno será proyectar cuadros e ir comentándolos.

"La musa permanece quieta; puede tener la túnica de pequeños pliegues o los ojos de vaca que miran en Pompeya a la narizota de cuatro caras con que su gran amigo Picasso la ha pintado. (Federico García Lorca, en "Teoría del Duende", 1930)

Primero es necesario situar a Picasso en Málaga:

Nació once y cuarto de la noche del 25 de octubre de 1881 en la plaza de Riego 36 hoy de la Merced 15 (estaba la iglesia de la Merced, antes convento desde la desamortización de 1873, incendiada en mayo de 1931 , y solar en 1940) de Málaga Allí frente esta el obelisco o cenotafio dedicado al general Torrijos, 50 malagueños fusilado el 11 de diciembre de 1831 en la playas de san Andrés, por luchar contra el absolutismo de Fernando VII que había despreciado la Constitución de Cádiz, la pena de muerte la escribió el propio rey de puño y letra "Que los fusilen a todos, Yo el rey". Robert Boyd como era inglés que ayudó con su fortuna este levantamiento liberal, yestá en el cementerio inglés de Málaga, ya que los protestantes no podían ser enterrados en camposanto sino que lo eran tirados al mar o bien en las playas, en un hoyo de pie. Sobre este fusilamiento pintó un cuadro el alcoyano Antonio Gisbert Pérez (pintor de temas históricos), encargo de 1888 de Sagasta que está en el Museo del Prado. Esproncede escribió un soneto a la muerte de Torrijos.

Fue bautizado en la iglesia de Santiago, antigua mezquita, conserva el alminar y las puertas gótico-mudéjar. Está registrado en el Folio 40, asiento número 208 de 1881, con un montón e nombres, Pablo el primero, se le pusieron en recuerdo de un tío canónico fallecido hacía poco. Su padrino era José Nepomuceno Blasco.

El padre don José Ruiz Blasco (1838-1913), familia cuyo origen era de Cogolludo (Guadalajara), no vasco como se dice. Pintor eclipsado por culpa de su hijo que se apropió, tras su muerte, de los mejores cuadros de este pintor como El viejo pescador, y cientos de dibujos que dejó sin firmar (Picasso se apropia de este cuadro). Era profesor de Dibujo Lineal de la Escuela de Bellas Artes de San Telmo y conservador del Museo Municipal de Málaga. Era amigo de Bernardo Ferrándiz, Martínez de la Vega, Muñoz Degraín. Su madre María Francisca Picasso López (1855-1938), ama de casa, de origen genovés, nacida en el Perchel de Málaga, era seis hermanas, el padre de ella Francisco de Paula marchó a Cuba como funcionario de aduana y despareció allí. Se llevaban 17 años de diferencia. Vivían con dos tías y la suegra. Don José era aficionado a los toros, con tres años le llevó a los toros, porque entonces se permitía la entrada a los menores. Seguramente vio cómo los toros destripaban a los caballos, de aquí la idea de sus caballos con la tripas fuerza como en "El Guernica". En los años 50 fue amigo de toreros como Luis Miguel Domingo, Picasso es el padrino de Paula Bosé. De aquí nacerá su gran afición a los toros. Además recuerda que un día José Moreno Carbonero, estaba en la me dio de la plaza de toros pasando a un lienzo, del natural: Caballos y modelos de moros) lo que sería el célebre cuadro Entrada de Roger de Flor en Constantinopla (1888) (3.50 X 5.50). La obra está en el Salón de los pasos perdidos del Palacio del Senado de Madrid. Ver mi trabajo "Buscando a Picasso en Málaga".

Traslado a La Coruña

De gran precocidad artística, su facilidad para el dibujo comenzó a manifestarse muy pronto, La familia, incluido las tía y la abuela se trasladan en barco a La Coruña en 1891, (a causa de que su padre pierde el empleo de conservador). Pablo inicia sus estudios en el Instituto Eusebio da Guarda, y desde 1892 a la escuela de Bellas Artes, donde su padre ejercía como profesor. Vivirán en C/, Payo Gómez. Crea una especie de periodito para enviar a sus familiares de Málaga. Se ha hablado mucho de un niño prodigio, pero en realidad no lo fue, se ha demostrado, recientemente que muchas obras de juventud no son suyas, sino atribuida a él por la familia y herederos según Rómulo-Antonio Tenés. Expone algunos lienzo sin éxito en un comercio de la calle Real. Pintó el retrato de "Ramón Pérez Costales", protector de la familia, era amigo de su padrino y tío Salvador Ruiz Blasco, médico. Muere la hermana Conchita de difteria en 6 enero de 1895, menudo día de Reyes.

Nuevo traslado a Barcelona:

En la Coruña no le ha ido bien, han perdido a la hija Conchita, un duro golpe. El verano de ese año lo pasan en Málaga en casa de su tío Salvador, este le deja un estudio en Sanidad Marítima donde pintó, pero no El pescador que es del padre, atribuido a su hijo para aumentar su valor de mercado. También hacen una visita a la finca-lagar Llanes, en arroyo Jaboneros, propiedad de su padrino José Nepomuceno Blasco, La familia traslada de nuevo su domicilio en el otoño 1895 a Barcelona, en permuta con Román Navarro, a familia se instala en una pensión del paseo Isabel II, 4. Poco tiempo después la familia se traslada a un piso de la calle de Cristina, 3, esquina con Llauder. Entra a la Escuela de Bellas Artes de Llotja, cambio de domicilio familiar: se instalan en la calle de la Mercè, número 3. La ciudad Condal es una ciudad abierta a las in fluencia europeas y allí Picasso, que había cumplido quince años, realiza los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja alcanzando brillantes resultados. Estudiará en este centro durante dos años, durante los cuales conoce a Joaquín Bas, Francisco Bernareggi o Manuel Pallares, allí permanece unos nueve meses.

Estudios de Bellas Artes en Madrid:

Por deseo expreso de la familia y ayudado económicamente por los hermanos del padre el joven Picasso viaja a Madrid en el otoño de 1897, ya que allí estaban como profesores Muñoz Degrain y Moreno Carbonero e inicia estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, a la vez que participa de la vida de la ciudad, acudiendo a los cafés, paseando por las calles y frecuentando sobre todo el Museo del Prado, donde descubre la pintura española del Siglo de Oro: Velázquez, El Greco, Murillo o Goya. La obra de algunos de estos artistas le serviría de inspiración más de una vez en el futuro, tanto como motivo central de sus lienzos (el gran conjunto de obras dedicadas a Las Meninas en 1957), como para el desarrollo de sus más emblemáticas series de grabados, de las que es buen ejemplo la Suite 347, datada en 1968, y en la que una Celestina de ascendencia goyesca aparece en repetidas ocasiones como personaje fundamental del relato.

Nos hallamos en los años del desastres español de 1898. La Guerra Hispano-Estadounidense se desató entre España y los Estados Unidos de América en 1898, por los deseos expansionistas americanos, durante la infancia del rey Alfonso XIII, cuando ejercía la regencia la reina María Cristina, viuda del rey Alfonso XII, siendo presidente del gobierno español Práxedes Mateo Sagasta y presidente de Estados Unidos, William McKinley. Lo que sí es cierto es que por el 130 del Boulevard de Clichy, la casa de Mañach, donde se alojó Picasso en 1900, se reunía una colonia catalana en donde había numerosos simpatizantes del anarquismo; en diciembre de l898, esta "colonia" había firmado un manifiesto (publicado en La Publicidad de Barcelona) pidiendo la liberación de los anarquistas encarcelados por su oposición a la guerra de l898: Picasso y su amigo el pintor Casagemas estaban entre los firmantes.

En su etapa madrileña, Picasso pinta tres pequeñas tablas, la titulada Salón del Prado y otras dos dedicadas al estanque del Retiro (todas ellas pertenecientes al Museo Picasso de Barcelona), apuntes realizados durante sus visitas al Museo del Prado, para realizar copias de sus maestros preferidos. Salón del Prado capta el momento en que la lluvia ha comenzado a caer sobre Madrid, y los viandantes, unos resguardados bajo sus paraguas, otros al descubierto, apresuran el paso para protegerse de los rigores del otoño. La pincelada es rápida y vivaz, casi arrebatada, y los tonos algo menos sombríos que los que el artista solía emplear por esta época, anticipando en cierto modo la gama plomiza del periodo azul. La soltura del trazo y la maestría con que ha sabido captar el ambiente en un formato tan reducido, apuntan ya lo que su autor sería capaz de conseguir en el futuro. Abandona los estudios académicos, esto sienta muy al a la familia, su tío Salvador el retira la beca de 5 pesetas diarias, toma al vida bohemia. Abandona los estudios académicos al considerar que no es el camino que quiere seguir, ya que lo suyo son las vanguardias y el modernismo del momento, esto provoca el enfado familiar y la retira de la beca de su tío Salvador.

Regreso a Barcelona y Horta del Ebro:

Se contagia de una escarlatina y ha de regresa a Barcelona, unas semanas después se refugia en Horta de San Juan, ahora del Ebro en Tarragona en una casa que tiene allí su amigo Pallarés. Pasará nueve meses. Permanece allí nueve meses. Regresa a Barcelona y empieza la vida bohemia, luego pasa a un círculo de mayor base intelectual en el café Els Quatre Gats, (1897-1903) "Los cuatro gatos", que se hallaba ubicado en la calle Montsió (o Montesión) en los bajos de la casa Martí. Picasso era un joven conocido. Expone 150 dibujos. Toma contacto con las vanguardia y el modernismo. "Los cuatro gatos", el nombre tenía su origen en Le chat noir, el gato negro, fue un baile de cabaret del siglo XIX en el distrito bohemio de Montmartre en París. Aristide Bruant, fue un cantante de cabaret, comediante y dueño de clubes nocturnos francés. Es reconocido como el hombre de la bufanda roja y la capa negra en el famoso póster de Henri de. Leen la revista Gil Blas Ilustre. Entiende que las relaciones personales son importante para un artista incipiente.

El dueño de se llamaba Pérez Romero, eran los fundadores del local: Ramón Casas, Santiago Rusiñol, Pere Romeu y Miguel Utrillo. Allí se hacían teatros de marionetas. Entre sus amigos de esta época están Pablo Gargallo, Jaime Sabartés, fiel amigo y luego secretario desde 1935-1968. Son admiradores de la obra de Ibsen Nietzschen, Wagner o Maeterlinck (belga exponente del teatro simbolista).

Primer viaje a París

En 1899 conoce al poeta y pintor Carlos Casagemas, comparten estudio en la c/. Riera de San Juan 17 de Barcelona. Hacen un viaje a París en el otoño 1900, es su primera vez a París. En mayo, Picasso había participado en la sección española de la Exposición Universal de París con el cuadro: "Los últimos momentos" que se había inaugurado el 14 de abril. En octubre, en compañía de Casagemas realiza su primer viaje a París. Residirán en el estudio de Nonell en Rue Gabrielle. Conoce al marchante catalán Pere Mañach, con quien establecerá su primer contrato. Pinta su primera obra parisina: "Le moulin de la Galette". París tenía a los jóvenes desquiciados. Como no podía ser menos queda fascinado por esta ciudad del meta de los artistas. Toma contacto con la obra de los impresionistas: Degas, Gauguin, Van Gogh, Cézanne o Toulouse-Lautrec. Se inspira en el arte y en los temas de los artistas franceses.

Suicidio de Casagemas

A finales del año 1900 viajará desde París a Barcelona y a Málaga con su amigo Casagemas, a quien lo había dejado la modelo Germani (Laura Gargallo mujer de Ramón Pitxot) por impotente. Están en Málaga para la nochevieja la pasan allí, la familia malagueña no queda muy contentos con la actitud de ambos, iban vestidos con pana negra y no salían de los prostíbulos y borracheras, lo que no gustaba a su tío Salvador, al que le pide 2.000 pesetas para librarse del servicio militar. Cansado de la depresión de Casagemas lo envía a Barcelona en barco, luego marcha aotra vez a París y se suicidará el 17 febrero 1901, tenía 21 años una cena en el restaurante L'Hippodrome delante de un grupo de amigos y de su amante, la modelo Germaine, cayó en brazos de Manolo Hugués y de Manuel Pallarés. Picasso estaba en Madrid, empieza la etapa azul con “Evocación. Entierro de Casagemas” inspiración del entierro del Conde Orgaz, de El Greco. un cadáver exquisito rodeado de prostitutas con botas altas. Demuestra así su dolor y su pena. (Figuras alargadas y estilizada). Allí todo es miseria , no tienen cama ni tan siquiera una silla, lleno de grietas por donde penetra el gélido invierno parisino, allí viven artistas bohemios. En realidad lo que está haciendo Picasso en su época azul es expresionismo alemán y obras de Munch (El grito), inspiración de El Greco (de hecho, cuando vino a España de vacaciones con Olga y Pablo en 1934 estuvo en Toledo, entre otras ciudades española) o del dibujante Steinlen.

Regreso a Madrid, París

En enero de 1901, Picasso se traslada a Madrid y funda con el escritor catalán Francisco de Asis Soler, que ejerce como redactor la revista "Arte Joven", que lleva el modernismo a Madrid. Pablo como director artístico, se editan cinco números, aquí publicó Azorín. No tiene el éxito esperado se editan tan solo 5 números. En abril presenta "Mujer en azul" a la Exposión Nacional de Bellas Artes de Madrid pasó desapercibido, Hoy está en el Museo Reian Sofía. Permanece en Madrid hasta mayo de 1901. El día 24 de junio se inaugura en París la exposición conjunta de Picasso e Iturrina en la Galería Vollard de París. Es su primera exposición en la capital francesa. Vende tres cuadros de toros. Conoce al poeta Max Jacob. Expone, junto con Ramón Casas, en la sala Parès de Barcelona. En octubre participa en una exposición colectiva en la Sala Witcomb de Buenos Aires, organizada por el marchante José Artal. Entre 1900 y 1904 lleva una vida bohemia entre Madrid, Barcelona y París en Monmartre y Montparnasse o Barrio Latino, se recrea en la vida nocturna de los locales de alterne Berthe Weill le compra tres cuadros de tema taurino, conoce al marchante Pedro Mañach, que el contrata por 150 francos al mes a cambio de toda su obra y le pone en contacto con el galerista Ambroise Vollard en 1901. Segundo viaje a parís con Jaume Andreu,

Entabla amistad con los prestigiosos coleccionistas estadounidense a primeros de 1905 Leo y Gertrude Stein, en cuya casa conoce a Matisse, quien junto a Georges Braque y Juan Gris suelen frecuentar el taller de Picasso. (Si Picasso no se instala en París no hubiera triunfado, porque nadie es profeta en su tierra). A finales de febrero expone en la Galería Serrurier un trabajo formado por un álbum de dibujos, veintiocho cuadros y seis aguafuertes de la colección titulada "Los volatineros". Conoce a Fernanda Olivier, y camia el azul por el rosa y el circo, es la "Epoca Rosa", llamada de ese modo debido a que los ternas, escenas circenses (payasos, saltimbanquis y arlequines), son tratados preferentemente a base de tonalidades grises y rosas. Este periodo representa una importante evolución hacia un cromatismo más brillante y luminoso; desaparece la desolación y la angustia, el estilo se vuelve más sobrio. Las obras "Madre e hijo" (1905) y "La cabeza" (1906) reflejan ya su personalidad madura.

Defitivamente en París

En su cuarto viaje en compañía de Sebastián Junyer-Vidal. En abril de 1904 se establece definitivamente en París se instalan definitivamente en París en Montmartre, en la rue de Ravignan 13. Comparte habitación con el poeta Max Jacob, había una sola cama y han de compartía, Picasso dormía de día. Otra de las ciudades de vanguardia en el arte era Munich, pero parís le quedaba más cerca y además allí había una importante colonia de catalanes. Un día de otoño de este mismo años conoce con Fernande Olivier (Amalia Lang, modelo que había dejado al marido) iniciando una feliz relación sentimental que hace que cambie su paleta hacia tonos rosas, a esta etapa se la denomina " Periodo o época Rosa".

En 1906 Ambroise Vollard compra la totalidad de las obras de Picasso de esa época por 2.000 francos. Así el pintor puede realizar su sueño de regresar a España por unos meses, en el viaje le acompaña Fernanda Oliver. Estuvo en Gósol, municipio leridano de la comarca del Bergueda Pirineo Catalán. Llegaron en tren hasta Guardiola y a partir de aquí continuaron su viaje con mulos hasta el pueblo por el camino real que se utilizaba en aquella época y que comunicaba estas poblaciones.

Cuando murió su padre en 1913 en Barcelona, unos autores dicen que no fue al entierro, otro dice que sí fue como Rafael Inglada.

La mayoría de la obra juvenil donada al museo de Barcelona en 1970, no eran de Picasso. Y la familia lo sabía. Lo han demostrado prueba caligráficas de 2002. Pero todo se ha callado por biógrafos y fundaciones. Contiene gran parte de las obras de José Ruiz Blasco, y de Isidoro Brocos Gómez. La donación encubre 786 obras anónimas "sin firma ni fecha de absoluta falsedad.

Actualmente se exhiben estas obras de manera fraudulenta en los Museos Picasso de París, Barcelona, Caldes d'Estrac, Málaga y Abbey de Montserrat . Por tanto, los visitantes de los museos son estafados.

ETAPAS O PERIODOS PICTÓRICAS DE PICASSO

He tomado algunos de los cuadros más representativos de cada periodo y los vamos a ver a y comentar, es decir, vamos a conoce a Picasso a través de sus obras, apoyado en las diapositivas que es lo más visual. He preferido mostrar los cuadros cronológicamente, y así veremos los saltos en el tiempo de este pintor, veremos que por lo general no abandona un estilo, sino que vuelva hacia atrás, para dar pasos más grandes en la investigación. Además hay que tener en cuenta que Picasso nos va llevando, con sus caprichosos estilos y cambios, por sus estados de ánimo de su muy ajetreada vida, no siempre toma un estilo y es fiel a él, sino que ya jugando con ellos vuelve, los dejas. Picasso fue objeto en su época de abundantes polémicas y criticas adversas por críticos, amigos, pintores y políticos. Lo cual, indudablemente le auparon en su fama. Dice Jaume Sabartés su secretario, que sus etapas bien podrían llevar el nombre de una mujer, aunque es un poco exagerar.

Mujeres en Picasso y descencientes:

Aparecen muchas mujeres en su vida: Madeleine a primero de 1904. Fernande Oliver a la que conoce en el otoño de 1904, ere vecina hasta 1912; Eva Gouel (Marcelle Humber), compañera del pintor Marcussis, era "ma joile" la conoce en otoño de 1911, muere en 1915 de cáncer; En este periodo conoce a Gabi Lespinasse y a Irene Laquet; Olga Klokova la conoce en 1917, tiene a Pablo, se separan pero no se divorcian en 1935, Thérese Walther la conoce en la calle en 1927, tiene a Maya en 1935 (la deja, y esta se casará con Pierre Widmaier, con el que tuvo tres hijos; Dora Maar (Teodora Markovitch) la conocerá en 1935; Françoise Gillot, pintora, la conoce en 1943 tiene dos hijos; y Jacqueline Roque, vendedora de cerámica en 1954, se casó con ella en 1961, tenía con 78 años, Geneviéve Laporte (1953- ), a Sylvette David (1954- ), no fue más que una intima admiradora a la que conoció en 1944. Cambiaba de mujer y cambiaba de casa y de estilo.

Tuvo cuatro hijos: Paul de Olga, Maya de Thérese Walter, Claudio y Paloma de Françoise Gillot. Una hijastra Catherine, hija de Jacqueline que vendió cuadros al Museo Picasso de Málaga por tres millones de euros.

Nietos: Paul se casó primero con Emilienne Lotte con la que tuvo dos hijos: Pablito y Marina. Se casó de segundas con Christine Paupin y tuvo a Bernard (1959).

Olivier, Richard y Diana no son nietos de Picasso, sino hijos de Thérese Walter y del naviero con Pierre Widmaier.

PRIMERA ETAPA o periodo de formación o tanteos:

Entre 1891 y 1898 trascurre, pues, lo que podría definirse como época de formación: dibujo, copia de yeso, copia del natural, en la que al tiempo que se instruye en el más estricto academicismo finisecular de las escuelas de La Coruña, Barcelona y Madrid. Es alumno de pintor gallego Isidro Brocos (hay obras en Barcelona atribuida a Picasso que son atribuidas a Brocos). Era un niño rebelde, mal estudiante sacaba malas notas, su padre le encaminó hacia la pintura, de hecho en Barcelona su padre le alquiló un estudio en calle de la Plata nº 4. Y hace todo lo posible para que sea admitida "Primera Comunión" en la exposición de Artes y Artesanía de Barcelona de 1896, luego interviene también en Madrid para que consideren "Ciencia y caridad" ante su amigo y miembro del jurado como Muñoz Degrain.

Sus primeros cuadros, como no podía ser menos, son académicos y de aprendizaje o formación, sus maestro son los de la Escuela malagueña del XIX, entre ellos Antonio Muñoz Degrain, José Moreno Carbonero, y su padre, conocido pintor costumbrista, y aficionado a pintar palomas. Su primera pintura es “El Picador” de 1889, tenía 8 años, posiblemente influido porque vio cómo Moreno Carbonero abocetó en la plaza de toros de Málaga "Entrad de Roger de Flor en Constantinopla", otros cuadros son de toros, y tablillas con paisajes de los Montes de Málaga. Se da cuenta que el arte contemporáneo no bastaba con pintar bien, sino que había que pintar diferente a los demás.

Según cuenta Sabartés, Picasso le dijo: «en las manos se ven las manos, decía mi padre». Y por lo visto esta máxima era compartida por parte de la crítica, ya que para desmerecer el éxito oficial del joven pintor, un periodista jocoso publicó la siguiente quintilla: «Siento ante tanto dolor reírme como un bergante, pero el caso es superior. ¡Pues no está el señor doctor tomándole el pulso a un guante!»

Esta composición, que parece había sido premiada con una medalla de oro en la exposición provincial de Málaga, fue regalada al tío Salvador y estuvo colgada en su casa hasta 1918, posiblemente como agradecimiento a su protección y mecenazgo.

Pintó casi 40 retratos de su amigos. Pinta también a las clases marginadas , mendigo, prostitutas, vagabundos, músicos callejeros. Carteles, vida nocturna "El diván" 1899, se inspira en Toulouse-Lautre y Steinlen, no es que copie sino que busca nuevo modelo, no olvidemos que es un joven inquieto y lleno de energía que está a la búsqueda de su propio lenguaje estético. Es ya precurso de su Época Azul, que se inicia en el otoño 1901, pensado en el suicidio de su amigos Carlos Casagemas.

Cuando estuvo en Bellas Artes de San Fernando (octubre 1987- junio 1898). Realizó las prueba de ingresó en un día, cuando se tardaba un mes. Copia cuadros en el Museo del Prado, de Velázquez, Murillo y Goya. Se dice que hizo un viaje a Toledo, copio “El entierro del Conde Orgaz”, de una forma muy original, en el lugar de las caras del cuadro pintó la de sus profesores, la broma no gustó, de hecho, se produjo un distanciamiento con el mundo académico. Abandona los estudios académicos, ya que su gusto estético son las vanguardias y el modernismo.

Enferma de una escarlatina, y regresa a Barcelona esta vez a Hora de SALT Joan hoy del Ebro (Tarragona,) invitado por su amigo Manuel Pallarés. Visita frecuentemente el Museo del Prado.

Madrid representaba la tradición académica, en cambio, Barcelona representaba la tendencia progresista, el modernismo, las vanguardia, tal vez por su proximidad con Europa. Tras el desastre del 98, las levas de soldados para la guerra con África nació en Cataluña una idea de liberación y anarquismos. (Semana Trágica 1909).

Época o periodo azul.

Esta es una época de bohemia y penuria económica de soledad que marca su personalidad como pintor, y es perfectamente identificable su estilo: realismo, intimismo y melancolía, que presiden sus cuadros. Los temas se alejan del gusto imperante en las clases burguesas, que era la que podía comprar obras de arte. De su mano se introduce en la lectura de la literatura simbolista francesa de Baudelaire, Rimbaud y especialmente Verlaine; cree que el arte emana de la tristeza y del dolor, con una misión dramática, y que es fuente de emoción más que de placer. Eso y el influjo de los expresionistas alemanes son decisivos en su obra. El suicidio de su amigo Casagemas es otro factor que tendrá un papel importante en la génesis de este periodo. Pero en realidad no es así, lo más lógico es que se influenciara de la obras de otro catalán Isidro Nonell que pintaba a gente marginal. Sus motivos empiezan con gente pobre y marginal: ciegos, locos, prostitutas. El suicidio de su amigo Carlos Casagemas en 1901 en una cena del restaurante L'Hipodrome del bulevar de Clichy de París, delante de sus amigos, al estilo del poeta romántico Larra por un frustrado amor (Laure Gargallo, conocida como Germaine), es considerado, aunque no único, como el inicio de su época azul, un color de tristeza, de luto y de dolor, por ello, le seguirán cuadros de mendigos, ciegos y pobres. Vemos un ejercicio de manos en las figuras que no recuerdan a EL Greco, ya le había dicho su padre “en las manos se ven las manos”.

La época azul dura unos tres años, desde finales de 1901 a 1904 y se desarrolla entre Barcelona y París. El monocromo del azul tiene un valor emotivo de tristeza y melancolía. Gran poder de convicción tienen: “Viejo con guitarra”, “Arlequín pensativo”, "El viejo judío", "La Celestina", “Miserables ante el mar”, "La vida". Escenas nocturnas, línea modernista, ilustraciones. Picasso no tiene éxito con estos temas expresionistas.

Cree que el arte emana de la tristeza y el dolor, se inspira en el expresionismo alemán y redescubrimiento de El Greco, figura alargadas, manos largas, siempre presentes, dedos que parecen ramas de árboles. Evidentemente el oficio de un buen pintor se ve en ele resultado de la ejecución o dibujo de las manos.

Es a partir de primeros de 1905 cuando empieza vender cuadros, expone en la galería Berthe Weill y galería Serrutière, el bulevar Hausmann, luego la Rue Laffitte, donde los cuadros llamaron la atención de Leo Stein, joven y rico norteamericano, que junto a su hermana Gertrude, escritora radica, amiga de Hemingway, compraron cuadros por valor de 800 francos, después Ambroise Vollard compró obras por 2.000 francos, y el coleccionista ruso Sergei Schtschukin (eschukin). Mejora su vida económica y sentimental ya que conoce a su vecina Fernande Olivier (otoño 1904 hasta 1912, que lo deja).

TERCERA ETAPA: EPOCA ROSA

Desde que conoció a Fernande Olivier paleta se vuelve cálida y aparecen los colores rosas y sus temas es el Circo, es alegría. Su primera obra es “La comida frugal”.

Poco después de establecerse en París (1904) en un desvencijado edificio de madera, Picasso conoce a su primera compañera oficial, Fernande Olivier, ya que antes conoció a Madelen. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo Medrano, que visitó con gran asuidad en Montmartre, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, práctica que repitió también en posteriores trabajos. Época Rosa y más bien rojiza y almagra y ocres. Cambie el acento del trazo triste anterior de la época azul, aparecen niños, acróbatas, arlequines, movimientos, alegría y colores más cálidos. En definitiva regresa a un estimo más clásico y de Academia. La tradición literaria y pictórica del Romanticismo simbolizando el aislamiento y el sufrimiento humanos.

Estos colores, esta formas, con una forma de reivindicación de "la libertad del arte a la irreflexiva transición de los tabúes sociales". Por eso en este periodo además pintó escenas eróticas en la frontera de la pornográfico. Sigue las críticas del escultor André Salmon hacia las nuevas tendencias en las artes plásticas, era partidario del simbolismo desde el punto de vistas artístico, anarquista de ideas, y debía demostrarlo como secretario en la revista "Vers et prose", para preparar las veladas en la "Croserie des Lilas" que organizaba el poeta Paul Fort. En este ambiente literario conoció al poeta Max Jacob, que además ejercía la critica artística, y a Apollinaire, autor de una bibliografía de libros pornográficos, que proponía un programa de absoluta inmoralidad.

Tanto en la periodo azul como en el rosa, Picasso se apartó del "arte oficial", al pintar, a mendigos, arlequines, juglares, actores o bufones, un acto consciente para reivindicar lo que llama Ingo F. Walther "la encarnación del proletariado sin raíces sociales, y como la personificación de pueblo a secas". También comenta que es a partir de la revolución de 1848 la figura queda resignada a un personaje simbólico: "el payaso triste" (Picasso, pág. 130. 1992).

Además la represtación de la obra simbólica de Rusiñol "Lállegria que passa", le había producido una profunda impresión, des que la ilustrara para la revista "Arte Joven) en Madrid. No olvidemos que son años de la llamada "luchas sociales".

CUARTA ETAPA. ÉPOCA NEGRA o Ibérica (Se denomina negra por las manifestaciones cultura en París sobre el África Negra y Oceanía, en realidad Picasso se inspira en dos estatuillas ibéricas compradas de buena fe en marzo 1907).

Si la época azul y rosa fue el color y la reivindicación de la libertad del arte, al alejar se del "arte oficial", en la época negra y cubismo son las formas y sus deformaciones en lo que experimenta hacia lo que se llama también precubismo.

Se ve en la necesidad de ver y tocar esas estatuillas ibéricas del Louvre. Por eso compró un montón de arte tribal africano a Gery Pieret, secretario de Apollinaire, en buena parte de calidad mediocre. Necesitaba los originales para tocarlos, para desmontarlos, para adueñarse de la energía de los pueblos primitivos. Quedó absuelto aunque pasó varios días en la prisión de Santé.

Desde 1901, a través de sus visitas al Louvre y a otros lugares, Picasso ya había entrado en contacto con el arte egipcio y el arte primitivo. Todo esto le preparó para la visita realizada al Louvre en mayo de 1906, con objeto de ver la exposición de relieves ibéricos de Osuna. En marzo de 1907, Picasso tenía su propia escultura ibérica: dos cabezas de piedra compradas a Géry Pieret, un amigo de Apollinaire.

A comienzos de junio de 1907, Derain sugirió a Picasso que visitara el Museo de Etnología del Trocadéro para ver las salas africanas. Picasso volvió una y otra vez y se dio cuenta de que algo profundamente perturbador le había ocurrido: "Comprendí por qué era pintor".En años posteriores utilizó términos como "shock" y "revelación" para calificar lo que había visto.

Cuando visitó el Trocadéro, Picasso se encontraba en un punto muerto y había dejado de trabajar en Las señoritas. Las máscaras africanas le proporcionaron una salida. A diferencia de ocasiones anteriores, cuando las había contemplado en el taller de algún amigo, donde aparecían como adornos sin relación aparente con el trabajo que éste realizaba, ahora sí tenían un significado. En cualquier caso, aunque el cambio drástico registrado en la parte derecha del cuadro Las señoritas tuvo lugar después de la visita de Picasso al Trocadéro, veremos que la situación iba más allá de una simple respuesta al arte africano. Resulta que éste respaldó el enfoque conceptual de Picasso y le convenció del profundo significado que tenía la geometría como lenguaje del nuevo arte. (Einstein y Picasso en la Red).

  La verdad sobre el célebre cuadro de "Las señoritas de Avignon" es la siguiente. Picasso había comprado dos estatuas ibéricas en marzo de 1907 al secretario de Apolinaire, por esa fecha empieza a dibujar y a pintar bocetos sobre el tema de estas estatuillas. En realidad quería hacer una bañistas como las había pintado antes Cézanne (varios cuadros), pero cuando ve lo que mostraban los fauvistas en el Salón de los Independientes, marzo 1907, se dio cuenta que lo que estaba pintado estaba desfasado, respecto a "Los bañistas" de André Derain y Matisse, es por ello que llevado por una rabieta (no había sido invitado a este salón) y por despecho, pinta las máscaras de la figuras ibéricas en dos bañistas, y además se deja llevar por el automatismo la figuras le salieron geométricas. Picasso lo enseó a Apollinarie, a Leo Stein, a Braque y no les gustó, descolgó la tela del marco y la guardó, y no es hasta 1916 cuando su amigo André Salmon la expone con el título "Las señoritas de Avignon", como si fueran las chicas de un burdel de la calle Avignó en Barcelona, pero a Picasso no le gustó el nombre porque públicamente se le relacionaba con el ambientes de los burdeles, es decir que el título de este cuadro salón del capricho de Salmon. Tampoco tuvo éxito. A finales de 1921 lo compró Jacques Doucet por 25.000 francos, luego en 1937 lo vendió a Museo de Arte Moderno de Nueva York, que es la obra más importante de este museo. Hito del arte contemporáneo.
    Se dice que "Las señoritas..." es el primer cuadro del cubismo, pero no es así, es un cuadro de la época negra (Africa) o mejor sería decir época ibérica de Picasso.
    El cubismo de Picasso empieza en el verano de 1909 en Horta del Ebro o de San Juan, o simplemente Orta (Tarragona).

En su tiempo recibió muy malas críticas, excepto por Kanshwelier. Los críticos han vista la influencia del arte africano, derivado de las visitas al Museo Etnográfico de Trocadero. También estatuillas ibérica que descubriera el Louvre. Por aquel año se le implicó del robo de una estatuas fenicias en el Louvre, se interrogó a Apollinaire (poeta y critico de arte, audaz y renovador), parece su secretario, el belga Géry Peiret, las había vendido a Picasso. No quedó claro, Picasso quedó libro. Las estatuillas fueron devueltas, sobre 1911, cuando el robo de La Gioconda, que la robó el italiano Feruggia.

El conjunto, dicen, cierto críticos, que reinterpreta a el Greco, a Cezanne o a Ingres. Lo cierto es que Picasso no pinta cinco prostitutas, sino cinco bañistas como las bañista de Cézanne en 1883. Y es después de ver Los bañistas de Derain en el Salón de Independientes de marzo de 1907, y otros desnudos de Matisse, fauvistas, cuando ve que su obra está desfasada, por ello, con despecho cambia la idea primera por la formas angulosas y a dos caras le pinta máscaras, lo cual un desafío.

Conoce a Marcela Humbell (Eva o Ma Joil), amiga de Fernande Olivier, para rompe con lo anterior de traslada al bulevar Raspail 242, EVA muere en 1915 de tuberculosis. No soportaba vivir mucho tiempo en los mismo lugares, era lo que se llama, culo de mal asiento se relaciona en secreto con Gabi Depierre y con la bailarina rusa Iren Lagur.

El cuaderno donde se dibujaron la señoritas de Avinyó incluye 84 dibujos realizados por Picasso entre mayo y junio de 1907 y hasta la fecha estaba en manos de Marina Picasso, nieta del artista. El gobierno local de Málaga va a invertir 2,73 millones de euros en esta compra, que se ha realizado a través de la galería Jan Krugier-Ditesheim & Cie, en Ginebra (Suiza).

Es en el verano de 1909, en su segundo viaje a Horta del Ebro (Tarragona) con Fernande cuando pinta paisajes geométricos para ahonda más aún en el cubismo analítico.

Protocubismo

En el verano de 1906 viaja con Fernande a Gósol (Pirineo leridano), su obra entrará en una fase marcada por la influencia africana. El retrato de Gertrude Stein revela un tratamiento del rostro como esculturas, autorretratos otra obra que marcó este periodo fue Las señoritas de Avignon, tan radical en su estilo. Frente a la pintura trata en esta obra la profundidad espacial y la forma de representación del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y ángulos. En este periodo Picasso se desvincula de los cánones de arte relacionados en mostrar representaciones exactas de la realidad, modificándolas, más precisamente transformándolas con parámetros geométricos.

CUBISMO. No se sabe con certeza quien acuñó el término, unos autores dicen que fue por Matisse, que era jurado en el salón de Otoño en septiembre 1908, se rechazó 6 cuadros de Braque, comentó que Braque estaba haciendo “cubitos”). Otros dicen que el crítico Louis Vauxcelles, quien acuñó lo del fauvismo en el salón de otoño de 1905. Sí se le atribuye el bautizo de fauvistas, porquen en el Salón de Otoño de 1905 expusieron casi todos ellos unos cuadros de colores chillones, aplicados a la figura de forma arbitraria y antinatural. En una de las salas se mostraba sobre un pedestal una escultura de Marquet de aire renacentista y el crítico Louis Vauxcelles sentenció: "Donatello au milieu des fauves" (Donatello en medio de las fieras). Como era peyorativo el nombre tuvo éxito en seguida y sirvió para que el grupo tomara conciencia de sí mismo.

Nace el cubismo como un nuevo lenguaje pictórico estético, muestra una nueva forma de ver la realidad, a través de el arte. El cubismo es un arte mental, psicológico, imagen que expresa nuevas ideas, a través de la descomposición de la naturaleza, , en planos geométrico, es como mirar con un solo ojo, se adelanta a lo que podemos ve hoy en día con el “fotoshops”.

"El cubismo rompe con esta idea de las tres dimensiones y se lanza a la búsqueda de la cuarta dimensión, la dimensión imposible, aquella que permitiría ver una figura (da igual que sea un objeto, un paisaje o una persona) en su globalidad. Para ello, elimina la perspectiva e introduce la multiplicidad de planos, de manera que el espectador tenga varias visiones simultáneas de la figura representada, que a veces puede alcanzar hasta su mismo interior, obligando a nuestro cerebro a esforzarse para comprender cómo está organizada la composición". (José Diego Caballero).

El cubismo lo inicia Braque, Picasso experimenta en el verano de 1909 de Gósol (Lerida), no como algunos autores dicen que se inicia con Las señoritas de Avignon (puesto que este cuadro pertenece a la época negra o ibérica de picaos, que sería lo más correcto).

Diferentes tipos: analítico, hermético, sintético, cristal:

-Analítico, descomposición en múltiples parte geométricas, nos perecen bajorrelieves. Múltiples puntos de vista de un mismo objeto. Verdadero jeroglíficos, nos da el título y nosotros hemos de encontrar el objeto simbólico.

-Hermético, libre reconstrucción de la imagen del objeto disuelto, casi abstracto, fragmentado, como si los planos se hubieran roto y vueltos a componer. También se muestran diferentes parte de un mismo objeto desde diferentes perspectivas. Un ejemplo es lo que hace nuestro compañero Agoval.

-Sintético, Inventado por Braque, consiste en pagar elementos: como papeles de periódicos, cartones, elementos decorativos... en lo que se “Papel collé o pegado”. Picasso inicio este estilo en 1912.

El pintor francés George Braque, hizo el descubrimiento de hace el primer collage pegando papeles pintados de fabricación industrial, Picasso lo vio e inmediatamente aprovechó el descubrimiento. Pega papeles pintados, hojas de periódicos y otros elementos como láminas metálicas. Los papeles pintados predomina la imaginación sobre la realidad, ya que esta realidad es simplemente una evocación de ella, desde el punto de vista de autor, lo que podía ser una realidad propia. La obra de arte podrá ser una imitación de la realidad pero nunca será la realidad. Por ello, en arte contemporáneo lo importante no es pintar bien, sino interpretar la propia realidad para exponerla a un tercero.

-Cristal, son los ideogramas, es pintura experimental, se forma en el cerebro (Los tres músicos).

Estilo vidriera o Investigación lineal de los años treinta

Picasso, vive bien, es rico se ha comprado un Hispano Suiza, y compra el ,castillo de Boisfeloup, Olga organiza fiestas. Olga es celosa, tiene motivo porque él le engaña Empieza con los minotauros (el monstruo del laberinto de Dédalos), el minotauro e Picasso, que se siente mal, en un laberinto com o el de Creta, y a la vez posiblemente “cornudo”. Se traslada a la rue de Víctor Hugo numero 22 , allí solo ve muy de vez en cuando al escultor español Gargallo.

QUINTA ETAPA. Neoclasicismo o Vuelta al Orden, el clasicismo. Esta etapa se inicia tras conocer y casarse con Olga y el nacimiento de su hijo Paul. A través del ballet ruso entra en los círculos de la alta sociedad, conoce a Marcel Prous, a James Joyce y a la aristocracia. Vuelta a l orden de su vida particular, como una forma de destrucción al arte anterior. Sin embargo cuando menos se espera sale jugando con la figuración.

A partir de 1920 el tema del Arlequín y el Pierrot cobra fuerza de nuevo y, enlazando con los personajes de 1917, surgen las dos grandes y decisivas versiones de “Los tres músicos” –en las que el artista asume una vez más la identidad del Arlequín–, que constituyen un espléndido colofón de las enseñanzas que le proporcionó su viaje a Italia. En los años 30, la personalidad del Minotauro con el que el artista se identifica hasta el punto de erigirse también en su "alter ego", va desplazando paulatinamente a la del Arlequín, hasta recoger sus despojos en el simbólico dibujo “Minotauro y Arlequín”.

SEXTA ETAPA. Surrealismo. Epoca Dinard desde 1928 con las bioformas.

Simultaneísmo cinemático o movimiento, futurismo (1937, años 40). A esta etapa pertenece el mal llamado “El Guernica”, sobre el que ya di una conferencia

El arte de vivir, 1945 a 10467, pinta serie de 20 paneles para el Mueso Picasso de Antibes, le dejan el palacio de los Grimaldi. Se sentía inspirado por los pintores helenos y la mitología (faunos, ninfas, cabras, centauros, flautas) Usa pintura de barcos cobre fibrocemento..

Las paráfrasis.- Las paráfrasis son interpretaciones y explicaciones que tienen la misión de hacer más diáfano y comprensible el devenir y el porvenir. (interpretó obra de grandes maestros de la pintura: Lucas Craná el Viejo, El Greco, Velázquez, Poussin, Rembrant, Goya, Coubert, Delacruax) Reconstruir es: Reconsiderar, Reflexionar, Rehacer, Resemantizar..... Las Meninas, 44 interpretaciones, (Museo Picasso de Barcelona) 1957, Las donó a Barcelona tras la muerte de su amigo y secretario Jaume Sabartés.

Época expresionista

Con el comienzo de la Guerra Civil Española, Picasso fue nombrado director del Museo del Prado, por el gobierno republicano. En 1937 pintó uno de sus cuadros más famosos, el Guernica, es un alegato contra la guerra civil, es una obra que es el resultado de sus investigaciones sobre minotauros y toros de los años treinta.. En estos años la mayor parte de las obras expresan un sentimiento de angustia, como consecuencia de la problemática situación que se vivía.

Otras obras fueron Mujeres llorando, y Mujeres sentadas, que refleja la tragedia de la guerra.

El punto culminante de su expresionismo lo marcan sus cabezas de dos caras. En escultura realiza las piezas más abstracta, sin método ni sistema. Pinta esqueletos de cráneos de toros y gatos comiendo pájaros.

Durante la II Guerra Mundial no se movió de Francia, siguiendo pintando en el París ocupado por los nazis. Cuando terminó la guerra, en octubre de 1944 se afilia al partido comunista francés.

LAS SUIT O variaciones.

1.- Suit Vollard. Entre 1930 y 1937 se grabaron, por iniciativa del marchante de arte Ambroise Vollard (muerto en accidente de tráfico en 19339), cien grabados de Pablo Picasso, conocidos en su conjunto como "Suite Vollard". En 1939 se editó la "Suite Vollard" en dos formatos distintos, se editaron 250 ejemplares. Son muy pocas las series que actualmente se encuentran completas ya que la gran mayoría se vendieron desmontando las colecciones.

La complicada historia del origen de la "Suite Vollard", su variedad temática y su diversidad técnica, en la que se reúnen los estilos de reproducción más variados (aguafuerte, punta seca, aguatinta, etc.) favorecieron su dispersión. Con todo, el conjunto de la "Suite Vollard" representa uno de los más importantes testimonios de la historia del arte del siglo XX.

Se llama Vollard, porque al final de la serie Picasso agregó un retrato de su marchante Ambroise Vollard. En esta obra dibuja faunos, ninfas, efebos y minotauros. Hemos de observar, minuciosamente, la propia obra de Picasso con sus minotauros que como hombre mediterráneo conocía la mitología griega, el laberinto de Creta, y, por español, las corridas de toros. En los años 30 empieza con los minotauros. En la portada del nº 1 de Minotaure (1933) aparece un minotauro con una espada en la mano. En su cuadro «Corrida de toros» de 1934, aparece un caballo en posición similar al del Guernica, por lo tanto, ya tenemos una visión de la imagen del caballo relinchante. Si tenemos en cuenta que en los años en que vivió Picasso en España los caballos de los picadores no llevaban peto en las corridas de toro donde morían corneados varios caballos en cada corrida, incluso se usaban los de los coches de caballos, imagen que se le debió quedar grabada en su memoria infantil, puesto que en numerosos aguafuertes, plumas y tintas posteriores aparecen caballos corneados como «Mujer con vela, combate entre toro y caballo» de 1934. «Minotauromaquia» aguafuerte de 1935, una mujer con vela, y la torera, y el minotauro. A veces es la representación del propio Picasso, como fuerza elemental. Aguadas y tintas: «Estudio para el telón del 14 de julio de Romain Rolland», de 1936, con un minotauro vencido en brazos de un hombre pájaro. «Minotauro y Yegua» 1936, con un caballo muerto en los brazos de un minotauro.

2.-Suit 156. (1968-1962).

Aguafuertes, aguatinta, con resinas, con azúcar o las puntas secas.

3.-Suit 347 (algunos son escenas de sexo pornográficas)

La colección
La Suite 347 se compone de 347 aguafuertes realizados entre el 16 de marzo y el 5 de octubre de 1968. Se mostró por primera vez como conjunto en la Galerie Louise Leiris de París en diciembre de 1968; debido al erotismo de algunas estampas, en especial las referidas a los juegos del pintor Rafael con su amante la Fornarina, se expusieron en una sala privada, cerrada al público en gente

Los temas
El conjunto es uno de los trabajos más titánicos de la madurez de Picasso, que en un par de meses frenéticos, entre marzo y agosto del agitado año de 1968, realiza más de 300 aguafuertes. No se puede dar un interpretación simple de su temática, tal como de la Suite Vollard puede decirse que hay dos temas predominantes, como el del escultor y su modelo y el tema del minotauro. En la Suite 347, como en la Suite 156, entra toda la imaginería del Picasso anciano.

Asimismo se encuentran amplias referencias a la vida cotidiana, a la propia infancia del artista, o a lo que Picasso podía ver en la televisión francesa, como películas de romanos, o las mil y una noches, etc. También aparece la presencia del general De Gaulle, etc. Pero asimismo esta Suite está llena de referencias a otros artistas, como Rembrandt, el ya citado Rafael, Ingres, al cuadro del Greco “El Entierro del Conde de Orgaz”, a la pintura de Manet, a la de Monet, etc.

La obra gráfica de Picasso abarca más de dos mil estampas. De las series que realizó se conservan muy pocas completas, ya que la mayoría se vendieron por láminas sueltas. Bancaja dispone de siete.

De la Suite 156 solamente existen tres colecciones completas en el mundo: una está en el Musée Picasso de París, otra en manos de un coleccionista privado y la que ahora expone Bancaja en Murcia.

Picasso murió el 8 de abril de 1973, un año después de haber concluido la Suite 156, mientras estaba en proceso de edición, sin que el artista pudiese llegar a firmar, a mano, las láminas seriadas que aparecen, en esta ocasión, autentificadas con un sello o cachet Picasso como obra póstuma.

la última serie de grabados que realizó Picasso, la Suite 156, un conjunto de 156 planchas que grabó entre enero de 1970 y marzo de 1972.

Los fondos artísticos de Bancaja cuentan con siete colecciones completas, de las pocas que existen en el mundo, que son básicas en la obra gráfica picassiana: la “suite Vollard", la “suite 347", la “suite 156", la "Caja de Remordimientos", "Fumadores", "Retratos de Familia" y la “suite 60”, además de 6 linograbados y 40 libros ilustrados por el genial artista.

175 cuadernos

Se conocen aproximadamente 175 cuadernos utilizados por Picasso como espacio de apuntes y estudios para la realización de sus obras de mayor envergadura; por ese motivo, en los cuadernos la técnica empleada es el dibujo. Este amplio conjunto de cuadernos fue realizado a lo largo de su trayectoria artística, desde 1894 hasta 1967, de manera que hay álbumes o carné de todas las épocas del pintor malagueño. Cuadernos que tienen por temática el mundo del circo, los arlequines, la realidad cotidiana, los bodegones, sus mujeres, el mundo del toro...

Lista de los cuadros que vamos a ver por fechas de ejecución:

0.- Dibujo que yo (Palmeral) le he pintado a Picasso, con sus tremendo ojos negros.

1.- Una fotografía de Pablo a lo 7 años son su hermana Lola, 1888. A los 8 años pintó su primer cuadro “El Picador”.

2.- El viejo pescador de Málaga, verano 1895 (tenía13 años), vacaciones, trasladado desde La Coruña a Barcelona atribuida Pablo, aunque es de su padre. Los biógrafos se han inventado una historia, que dice que el este pescador se llamaba Manuel Salmerón castellano, era de Motril estaba enfermo no podía trabajar, su tío Salvador lo contrató para que posara para su sobrino. Este cuadro lo he visto expuesto en Málaga y es de un academicismo estándar. Pues bien, esta obra que se presenta atribuida a Picasso, parece ser que es de su padre, sobre la J. de José pusieron Pablo. Muchas obras de infancias aparecida en el catálogo de Christian Zervo de 1932, y 1978 de 34 tomos hubo una causa pena en 1935, donde se prueba la apropiación de obras de su padre y de Isidro Brocos. Lo sabía toda la familia

3.- La muchacha de los pies descalzos (La Coruña1895).

4.- Primera comunión, (Barcelona 1897). Hay siete bocetos. Trabaja orientado por su padre. En abril participa en la Exposición Municipal de Barcelona con la obra "Primera comunión". III Certamen de Bellas Artes. Académico, es una escena familia la comunión de su hermana, y vemos de pie a su padre. Era alto, rubio con los ojos azules, le llamaban “El inglés”. Picasso se parecía a su madre que tenía los ojos negros, bajita y delgaducha.

5.- Ciencia y caridad 1897. Barcelona. Comentarios sobre Ciencia y caridad: Pocos días antes de ir a pasar las vacaciones a Málaga en 1896, la familia Ruiz se trasladó a un piso de la calle Merced, número 3, (Barcelona) y don José alquiló para su hijo un estudio en la calle de la Plata, número 4, situado a mitad del trayecto del domicilio paterno a la Lonja. Así, al iniciarse el curso de 1896-97, Pablo, a sus quince años, ya tenía un taller propio. El tema, la idea y la composición de la obra partieron de don José y en ella quedan reflejadas las influencias de la época: la búsqueda del efecto luminoso heredado del impresionismo, pero también cierto provincialismo, se mezclan con la intención social y humanitaria de algunos modernistas. En el colorido, también se ven dos tendencias: la paleta académica de ocres y marrones acoge tonos «fin de siglo», como son el malva, lila y blanco. La escena representa un médico tomando el pulso a una enferma postrada en la cama de una modesta alcoba; al mismo tiempo, una monja le ofrece un tazón sosteniendo a su hijo. La rigidez y estructura de la obra contrasta con la libertad de los bocetos preparatorios, que se guardan, salvo uno, en el museo. Para la figura del médico, posó el padre del artista; para la enferma, una pordiosera que pedía limosna en las inmediaciones del estudio y que fue contratada con el niño a dos duros por sesión, más los regalos y golosinas que le diesen al pequeño. El hábito de hermana de la caridad fue facilitado por sor Josefa González, de la comunidad de San Vicente de Paúl, que había sido atendida médicamente en algunas ocasiones por don Salvador.

Picasso presentó Ciencia y Caridad, en la Exposición General de Bellas Artes de 1897 celebrada en Madrid con el nº 944 del catálogo oficial, donde constaba como discípulo de Muñoz Degrain, y obtuvo una mención de honor, una de las 125 que dieron (Gracias al padre que le apoyaba e intervenía con sus amistades). Luego este cuadro obtuvo medalla de oro en Málaga Entre los pintores participantes estaba Sorolla, Darío de Regoyos, Ramón Casas. La temática elegida por Picasso debía ser del agrado del jurado, ya que el cuadro Caridad del gallego Jenaro Carrera Fernández (1874-1902) obtuvo también una mención honorífica.

6.- La hermana del pintor, María Dolores “Lola” (1885-1958), Que se casó son el neuro-psiquiatra Juan Bautista Vilató en 1909, con el que tuvo dos hijos José y Javier, pintores.

7.- La mujer de azul, 1901 (abandona el apellido Ruiz por Picasso)

8.- Mujer maquillada, 1901 (influencias de Toulose-Lautrec, y Van Gogh)

9.- La bebedora de absenta, 1901, (Soledad, aislamiento del sujeto. Manet Degas)

9ª.-Evocación. Entierro de Casagemas, 1901, con este cuadro se incica la etapa azul de dolor, pena, tristezas, frío y desesperación. Carlos Casagemas se pego un tiro en una taberna de Cliché, delante de la modelo Germanie, amor no correspondido, y de Pallarés.

10.-Jaime Sabartés, 1901 (amigo, secretario y biógrafo de Picasso, “Me acostumbraré”)

11.-Autorretrato de Picasso, 1901, (tras la muerte de su amigo Casagemas. El Greco)

12.-Arlequín pensativo, 1901, (pensativo, Gauguin, Rodin).

13.-Dos saltimbanquis aburridos, 1901,

14.-La toilette, 1901, (una incursión en el fauvismo de Matisse, color rabioso, luz)

15.-Maternidad al borde del mar, Barna, 1902, (lleva una barca fantasma ¿La de Caronte?

16.-Viejo ciego con niño, 1903, monocromático, tristeza, abandono, sin esperanzas. El niño es el lazarillo que ayuda al ciego a sobrevivir, Nos recuerda al Lazarillo de Tormes (1554)."Pues sepa Vuestra Merced, ante todas cosas, que a mí llaman Lázaro de Tormes, hijo de Tomé González y de Antonia Pérez, naturales de Tejares, aldea de Salamanca..."

17.-Viejo guitarrista, 1903, la guitarra compensa la composición artística. Aquí es la ayuda del vijeo, el lazarillo.

18.-La vida, 1903. O "La vida es dolor" Difícil de descifrar. La vida como resultado del sexo. Escena que sucede en el estudio del pinotr, en pricipio se puso Pablo en el retrato liego los sutituyó por el de carlos Casagemas, la amante por la que suicidó de un disparo, como reconciliación eterna, si vemos el dedo índice de la mano izquierda podría ser una representación del pene erecto, ya que Carlos era impotente. Tras el acto carnal llegará le hijo.

19.-La celestina, (retrato de Carlota Valdivia) 1904, se remite a la famosa alcahueta de la obra de Fernando de Rojas, La Celestina o la tragicomedia de Calixto y Melibe. La mujer tuerta muestra un ojo con cataratas, esta malformación impregna al personaje un enigmática actitud. La malformación nos produce inquietud.

20.-Muchacha de Mallorca, 1905, la actitud es elegante y llena de gracias.

21.-Mujer en camisa, 1905, tiene parecido al cuadro anterior, yo entiendo que su modelo es Fernande Oliver. Tras un viaje a Holanda, pinta algunas gordas y se inicia su esta rosa.

22.-Dos acróbatas con perro, 1905, son escena de circo. Picasso solía ir al Circo Medrano de parís vivía en Montmartre.

Aquí empieza a mezclarse el azul y el rosa. Sus caras triste, atmósfera de incertidumbre.

23.-Los dos hermanos, 1906, aparecen los cuerpos modelados, una manchas perfectamente ambientadas en la tonalidad de los colores.

24.-Acróbata y joven equilibrista, 1905, época rosa, el circo, gracia armonía y el equilibrista ya sonríe.

25.-La familia de acróbatas, 1905, se alegra el color y los movimientos.

26.-Familia de acróbatas con mono, 1905, hay recuerdos de la Sagrada Familia de Murillo, o Madonnas,

27.-Muchacho con caballo, 1906, es el mucho muchacho de Dos hermanos.

28.-Desnudo en Gósol (Lerida).1906, retrato de Fernanda, mirar que su cara ya se parece a las máscaras afrincanas y a las caras de la señoritas de Avigyón.

29.-Retrato de Gertrude Stein, 1906, mecenas y coleccionista de su obra, escritora norteamericana (posó más de ochenta veces). Le compro un cuadro por 150 francos. Amiga y protectora de los artistas, protegió a Ernesto Hemingway en los años parisino. La dureza de ru rostro recuerda las máscaras.

30.-Autorretrato de Picasso, 1907. Empieza su época cubista.

31.-Las señoritas de Avión, 1907. Hito en la producción de Picasso y nacimiento del arte moderno del siglo XX. Cierto día de la primavera de 1907, Pablo Picasso convocó en su taller de París a un grupo de amigos, para que viese el cuadro en el que había estado trabajando durante el último año. Cuando lo descubrió, todos quedaron estupefactos. Ninguno podía dar crédito a lo que estaba viendo. Tras la sorpresa inicial llegaron las reacciones. Matisse, con quien Picasso mantenía una seria rivalidad artística, dijo ofendido que aquel cuadro deshonraba la pintura; Braque que Picasso pretendía con eso «hacerles tragar estopa, beber petróleo y escupir fuego»; Derain que su autor acabaría ahorcado detrás de la tela, y el poeta Apollinaire que aquello era una especie de «burdel filosófico». Muy pocos, entre ellos el marchante y crítico de arte alemán Daniel Henry Kahnweiller, reconocieron entonces el carácter revolucionario de ese cuadro que el público recién conoció nueve años más tarde con el nombre de Les demoiselles d'Avignon, Las señoritas de Aviñón. Aunque se acabó en el verano de 1907, no expuesto hasta 1916 en París, un critico de “Le Cri de Paris”, escribe “cinco mujeres, si hemos de decir la verdad, las han recortado a tijeretazos, tienen morros de cerda y los ojos se pasean negligentemente por encima de las orejas”. Fue comprado por Jacques Doucet y luego en 1937 la vendió al Museo Moderno de Nueva York. En su tiempo recibió muy maña crítica. En principio aparecía un marino un estudiante que sostenían la cabeza de un muerto. Entra en el prostíbulo y ven la escena, la parte de la izquierda tiene influenzas de su epata rosa, y la de la derecha del arte africano.

32.-Tres mujeres, 1908, (200x178cm), pincelada dinámica y cargadas de materia, parece como si estuviera tallados en madera, es influencia del arte africano.

33.-La dríada (ninfa de los árboles), 1908, parece una escultura pintas

34.-Bodegón con frutas y copa, 1908, Apreciar los claroscuros.

35.-Casas en una colina de Horta del Ebro (T), 1909, facetas poliédricas de un paisaje. Procedimiento ya utilizado por Cézanne. Vemos los planos de color.

36.-Fábrica en Horta el Ebro, 1909, vemos el vuelco hacia el cubismo analítico.

37.-Mujer con mandolina, 1909, Por qué el interés por la música, muy fácil por la plasticidad de los instrumentos musicales, sobre todo la guitarra.

38.-Naturaleza muerta con botella de anís, 1909, hermetismo que no abstracto.

39.-Retrato de Ambroise Vollard, 1910, es el primero de los retratos cubistas que hiz, el del famoso marchante de pintores como Cézanne, Degas, Redon, Renoir, (en 1901, le había organizado una exposición en París),

40.-Primer plano del retrato Vollard.

41.-Naturaleza muerta con silla de reja, 1912, De este cuadro nunca se quiso desprender Picasso, porque supone. Se pasa de la representación de los objetos a la introducción del objeto, mismos. Vemos una reja de silla pegada, no pintada, una pipa, un periódico Journal en francés), una rodaja de limón. (Rodeado de una cuerda que hace las veces de mesa).

42.-Violín, copa pipa y tintero, 1912, El óvalo representa el equilibrio dinámico, y simbólico, huevo, vida, universo.

43.-Violín, 1912, Vemos solo sus partes fundamentales. La cuatridimensionalidad.

44.-“Ma Jolie”, 1912. Este cuadro es dura de entender (hermética y enigmática). Representa a su nuevo amor, a Eva Gouel, por entonces compañera del pintor Markus. A Picasso le llamaba así: “Hermosa mía”. Si no es por las letras no se puede descubrir a Eva.

44a.-Guitarra, 1913, son experimentos compositivos, técnica, “papel pegado”. Siluetas que aluden al objeto representado. Periódicos con alusiones a guerras, manifestaciones.

45.-Mujer en camisa sentada, 1913, aquí se conjuga los colores del cubismo analítico y la estructura del cubismo sintético. (Vemos a la mujer por los senos desnudos, el cabello, el sillón por los flecos de abajo, el periódico).

46.-“Ma Joie”, (collage), 1914. Recordemos que “MA Joie” es Eva. Ha pasado dos años desde el anterior cuadro cubista analítico. (Eva falleció en 1915 de un cáncer). (vemos una guitarra, una pipa, unos dado, un naipe.

47.-Retrato de muchacha, 1914, Vacaciones en Avión. Es un cubismo rococó. Imita al papel pintado. No es un collage, ni papeles pegados. Cambio brusco de color, puede ser su esta verde.

48.-Naturaleza muerta verde, 1914, demostración de posibilidades del cubismo.

49.-Guitarra, 1914,” Ma Jolie”.

50.-El fumador, 1914, compuesto con papel de revestir paredes.

51.-Arlequín, 1915, compuesto con piezas planas como un puzzler

52.-Guitarra, 1916, cubismo ideograma, hemos de pensar en la idea de guitarra.

53.-Retro de Olga Koklova, 1917, un realismo académico, y vuele a lo que se llama, “volver al orden”.

54.-Campesinos durmiendo, 1919, sensuales, felices, sensualismo romano.

55.-El velador (mesita redonda de un solo pie), 1919, Cubismo, planos, otra forma de cubismo.

56.-Los tres músicos, 1921, ideograma de visión múltiple, estamos más legos de la realidad, y vemos los objetos a través de la idea instrumentos, notas musicales…

57.-La carrera (dos mujeres), 1922 (Antibes), cuadro que sirvió para realzar el telón de la obra El Tren Azul, de Jean Cocteau, esta gigantescas figura abrumó al público. Está bajo al influencia de Olga, y nos alerta contra la mujeres dominantes, Olga lo tenía atormentado bajo continua quejas.

58.-Bodegón de Dinard (1922), se llama a sí porque lo pintó en las payas de Dinard (Bretaña) donde iba a veranea con Olga y su hijo Pablo. Abstracción lineal, el mar le hace romper la perfección.

59.-Toro de líneas dinámicas. Interpretación de Real de León.

60.-Los amantes,1923, vemos que en esta época con Olga vuelve al realismo. Vemos la gracia y el saber del pintor.

61.-Las flautas de Pan, 1923, Es la flauta del dios Pan, pero no es el dios Pan, hijo de Hermes y de la ninfa Díope, cuerpo de macho era un macho cabrío y cabeza de hombre.

62.-Retrato de Paul vestido de Arlequin, 1924, su hijo (14-01-21), (le pintó varios). Hay parte sin pintar “reservas” decía Cézanne. Estos espacios sin pintar los dejaba a propósito, y cuando algún crítico preguntaba, él decía es que la imprimación también ha dado por su propia mano, es decir que el espacio sin pintar entra dentro del cuadro, como otro color X, que el tiempo seguramente cambiará.

63.-Naturaleza muerta, 1924, Grande manchas planas, monocromáticas.

64.-Los tres bailarines, 1925, esta obra nos recuerda a Las señoritas de Avignón. Pintura realizada con áreas planas, el impacto visual que recibe es espectador se debe a su luminosidad. Este cuadro lo guardó pIcasso has ate le final de sus días.

65.-.- Estudio de dibujos de 1926y formas experimentales. Picasso nunca se olvidó del dibujo. Violenta elasticidad de la formas. Estas investigaciones quedaron si continuidad.

66.-En la playa de Dinard, 1928), Estilo relampagueante o estilo Dinard. (Lo que vemos son los colores de las bañadores de la época, muchos completos y a rayas.

67.-El taller, 1928, Esto es un ideograma infantil, arte lineal, minimalismo, vemos el taller del pintor, cuadro amarillo, la mesa roja, frutero, una figura. Picasso nos aconseja que partamos desde la purificación ingenua e infantil.

68.-La crucifixión, 1930, se dice que fracasó en el símbolo religioso por el desconcierto que representa, parece de burla, pero es la originalidad del autor lo que hay que ver. vemos a un Cristo crucificado, una figura que sube por una escalera, una mujer que llora, María Magdalena, una piedra que le cae, un romano con lanza. Unos soldados que se juega la túnica a los dados. Una figura a la derecha nos parece una figura rockera con gafas de sol, es como una anticipación a Jesucristo “superestar”.

69.-Mujer sentada al borde el mar, 1930, toma un aire de la escultura en hierro de su maestro Julio González 1876-1942). Vemos que Picasso investiga en el surrealismo y en la forja del hierro, que eso es otro tema. (Influencia del escultor Gargallo)

70.-Mujer sentada, 1930, arte lineal, simplificación, hay que mirarlo con la ingenuidad el niño que empieza a dibujar, Picasso dijo me ha costado años pintar como un niño.

70a.-El sillón rojo, 1931, esto se llama “expresionismo lineal”. Líneas para acotar las mancha de color. María Thérese, la había conocido en 1927.

71.-Mujer ante el espejo, 1932, estilo vidriera

72.-Minotauro tirando con carro, de los años treinta. La primera fue para la portada de una revista que se llamaba Minotaure. (Hay que tomar al minotauro cono una representación del propio Picasso.

72ª.-Minotauros. La Torera muerta,1933, Aguafuerte, son los antecedentes de el Guernica, que ya vimos en mi conferencia sobre el Guernica, donde dije que el Guernica nada tenía que ver con el bombardeo de la ciudad vizcaína de Guernika.

74.-Mujer con sombrero rojo, 1934, pintura en lo que se llama “estar la límite de la figuración”, y es antecedente de “expresionismo abstracto. Este cuadro representa el a María Térese Walter. Con la que tuvo a su hija Maya en 1935.

75.-La musa, 1935, Es la etapa de un expresionismo feroz, esto nos fulmina. Lo que su pone un camino hacia el expresionismo abstracto o arte gestual (el gesto del trazo).

76.-Retrato de María Teresa, 1937, en pieza pintar en un mismo plano perfil y de frente

77.-Mujer sentada en la playa, 1937, empieza con la cabezas lobuladas. Esto es surrealismo.

78.-Retrato de Dora Maar (1937), esta nueva amante fue la que hizo las fotos del proceso de creación Guernica. Aunque a de origen Yugoslavo, había estado varios años en Argentina. (se llamaba Teodora Marckovich). Dora Maar con gato se subastó por 75 millones de $. Estilo Simultaneismo cinemático. (En la cabeza tiene varias mujeres a la vez).

79.-Mujer llorando, dibujo

80.-Mujer llorando.

81.-Mujer llorando, 1937, pasa de la liberación del trazo al gesto.

82.-El Guernica, 1937, donde aparecerá la mujer llorando con niño en brazos. Se pintó este mural para la Exposición Internacional de París, por encargo de la II República. Sobre este cuadro tengo una conferencia, donde lo explico.

82ª.-Su hija Maya con tres años, rubia como su madre hija de María Therese

83.-Mujer sentada, 1938.

84.-Mujer sentada, 1938, vemos sus senos de una forma muy original, nunca vista.

85.-Mujer con sombrero, 1941, simultaneísmo cinemático, futurismo.

86.-Naturaleza muerta con cráneo de buey, 1942, el horro de la II Guerra Mundial.

En 1945, vendió una naturaleza muerta y le compró una casa a Dora Maar en Ménerber, Costa Azul. En esto años se instala en Vallauris, deja la pintura y se dedica a la cerámicas, artesanía (arte con repetición), a hacer botijos. Los marchantes estaba que trinaban, había dejado de pintar en la gloria de su fama.

86ª.-La pastoral, 1946, pintado en Antibes, tema bucólico mitológico, vemos el mar azul, donde la pastora desnuda, está en el centro, pintados de un trazo como dibujos infantiles pero armónicos y anecdóticos.

87.-Dibujo de Francoise Gilot, 1946, (con la que tuvo dos hijos Caludie y Paloma). Se instala en Antibes en al Costa Azul, son de los años más felices de su vida.

88.-Las señoritas junto al Sena,1950, (Coubert). Temas revisión histórica de cuadros de pintores famosos en los Museos Europeos.

89.-El cuadro de Gustave Coubert (18171-1877), pintor francés del romanticismo.

90.-Paisaje mediterráneo, (1952), La esclavitud el éxito.

91.-La guerra y la Paz, 1952. La guerra está inspirada en el asedio a Troya por los griegos, Héctor arrastrado por el carro de Aquiles. Enorme mural en dos piezas, para una capilla laica del siglo XII. En el municipio de Vallauris. Aquie inicia su esta de cerámica hizo más de 2000 piezas.

92.-La paz, 1952, (hizo cerca de 300 diseños)

93.-Mujeres de Argel, 1955), interpretación de Delacruax. En el 56 de instala en “La Californie” con Jaqueline Roque que le preservará del exterior, queda como recluido.

94.-La Meninas (1957), 44 recreaciones. Las Menina es de 1656. Años más tarde Manolo Valdés tendrá la misma idea e interpretará a otros pintores.

95.-Las Meninas (1957), es tal el respeto que siente por Velázquez.

96.-La Infanta Margarita Teresa había nacido en 1651. Hija de Fepile IV y de marina de Austria. Estas serie las donará Museo Picasso de Barcelona en el Palacio Aguilar en 1968.

97.- La caída de Ícaro (llamado años por Georges Salles), enero 1958, Panel para el edificio de la Unesco, (300 m cuadrados, compuesto por 40 paneles, más simple no puede ser, este encargo le agobiaba, tenía 78 años, ese mismo años matrimonio con Jaquelín Roque. Un astronauta mira a dos bañistas. La figura negra de mano y podría ser Ícaro en el golpe contra la tierra. Volvió a los ideogramas infantiles. La crítica fue benevolente con él, considerando que era autor de El Guernica.

98.- 26 Aguatintas para “La tauromaquia de Pepe-Hillo. Un magisterio de manchas, frescura, música y alegría.

99.- Hombre y mujer, 1967, desnudos, totalmente expresionista.

100.-La Suit 347, que es completamente erótica. 1968

101.-Autorretrato, 30-01-72, lápices de colores, espera la muerte, murió el 8 de abril 1973.

c.e: ramon.palmeral@gmail.com

Ha dato otras conferencias sobre Picasso en la Asociación de Artistas Alicantino y en El Campello.

1) En Málaga se quemó el palacio arzobispal del siglo XV, los colegios de los Maristas, los Agustinos, la iglesia de Perchel mandada construir por los Reyes Católicos, la parroquia de Santo Domingo, el templo de San Felipe Neri, la iglesia parroquial de San Juan, los conventos de las Mercedarias y de San Angel, las Iglesias de la Merced, San Lázaro, las parroquias de Puerto de la Torre, Churriana, Comares, Torremolinos, y El palo, hasta un total de 48 edificios religiosos incendiados o asaltados. En la parroquia de San Pablo y la iglesia de los capuchinos se profanaron las criptas y la chusma paseo, en lo alto de un palo, la calavera de un antiguo párroco.

Dada en Alicante, 28 de enero 2008. Ámbito Cultural de El Corte Inglés